Thread by @AlCoronaG

Aquí va una nueva ocurrencia para saturar vuestras TLs.

Recientemente, para un texto algo ambicioso que se publicará en algún momento, recopilé muchísima documentación sobre la historia del cine espectáculo, de la que el susodicho texto solo refleja forzosamente una cuarta parte

Así que, por darle alguna salida a todo ese material, he pensado en compartirlo por Twitter a través de un hilo que iré actualizando periódicamente, con alegre ánimo divulgativo.

Preparaos o silenciad el asunto porque aquí empieza mi HILO SOBRE LA HISTORIA DEL BLOCKBUSTER

Enero de 1896

En el Salon Indien du Grand Café de París los Lumière proyectan ‘Llegada de un tren a la estación de La Ciotat’, consistente en un solo plano cuya composición hace parecer que el tren se abalanza sobre la cámara. Esto habría provocado la aterrada huida del público

La veracidad de esta anécdota ha sido ampliamente cuestionada por los historiadores, sobre todo porque varias décadas más tarde los Lumière volvieron a rodar la película para juguetear con un primitivo 3D, y ahí sí habría tenido algo más de sentido la espantada general

En cualquier caso, es un mito tan extendido que Martin Scorsese no pudo evitar homenajearlo en ‘La invención de Hugo’. Aquí, sin embargo, el sobresalto duraba escasos segundos, y los espectadores rápidamente reían aliviados, aprendiendo a gozar del espectáculo

15 de abril/12 de noviembre de 1900

Durante la Exposición Universal de París los Lumière proyectan cada noche, sobre una pantalla enorme, una serie de películas (¿documentales?) que llegan a extenderse 25 minutos. Acuden 5.000 personas, se ven las primeras escenas coloreadas

En este marco Raoul Grimoin-Sanson idea el Cinéorama, una sala circular donde se proyectan simultáneamente diez películas que rodean por completo al espectador.

Miembros del público se marean y desmayan de la impresión. El Cinéorama acaba cerrando por riesgo de incendio

Septiembre de 1902

Inspirado tras asistir a una de las proyecciones de los Lumière, Georges Méliès se embarca en la producción de ‘Viaje a la luna’, adaptando la novela homónima de Julio Verne y poniendo todos sus trucos de mago a disposición de un proyecto pionero

La puesta en escena se convierte en una trabajosa manipulación, posibilitada por una inversión considerable: 10.000 francos. Junto a la extensa duración (14 minutos), ‘Viaje a la luna’ pasa por ser la primera gran ficción escapista del audiovisual, de éxito comercial apoteósico

Como resultado se exporta internacionalmente, igualando afluencias de público en EE.UU., Alemania, España, Canadá o Italia. La ausencia de una legislación específica de derechos de autor provoca, sin embargo, que Méliès apenas reciba dinero por ello, machacado por la piratería

El fenómeno ‘Viaje a la luna’ demuestra la preferencia del público por el espectáculo ilusionista antes que por el documental de los Lumière.

Dos años después, Méliès estrena su secuela espiritual. ‘Viaje a través de lo imposible’ alcanza la épica duración de 24 minutos

Diciembre de 1903

Edwin S. Porter inaugura el western, rodando ‘Asalto y robo de un tren’ bajo financiación de Edison. Promocionada como “la mejor película de todas las que se han hecho” y “una imitación fiel de los atracos del Oeste”, engrasa la maquinaria de un primitivo hype

Muy recordada por su último plano, que al estilo de un tren de los Lumière perfeccionado sigue violentando al público.

Justus D. Barnes dispara en dirección a la cámara. 87 años después, Scorsese homenajea esta imagen justo antes de los créditos finales de ‘Uno de los nuestros’

Marzo de 1913

Enrico Guazzoni adapta ‘Quo Vadis?’, best seller de Henryk Sienkiewicz, en forma de una monumental película de dos horas. Con más de 5.000 extras empleados, es el gran exponente del péplum italiano de principios de siglo

El péplum y las historias bíblicas suponen en aquellos años una buena garantía para atraer al público. De este periodo destacan ‘La destrucción de Pompeya’ (también italiana, de 1908) o la ambiciosa ‘Vida, nacimiento y muerte de Cristo’ (1906), de la pionera Alice Guy

La influencia del péplum italiano está muy presente en ‘Judith de Betulia’ (1914), uno de los primeros grandes éxitos de sí, ya llegamos a él, D.W. Griffith

Febrero de 1915

D.W. Griffith estrena ‘El nacimiento de una nación’ basándose en ‘The Clansman’ de Thomas Dixon Jr. Este último, un sureño muy crítico con la Reconstrucción estadounidense, es el gran impulsor del proyecto, y de hecho el film se titula inicialmente 'The Clansman'

Griffith acepta hacerla en cuanto intuye lo espectacular que quedará en pantalla la cabalgata del Ku Klux Klan.

Hito para el desarrollo del lenguaje cinematográfico. Batallas inmensas, celebrada banda sonora de Joseph Carl Breil, que llega a comercializar singles

Presupuesto de 10.000 dólares, tres horas de duración a partir de 36 horas de material grabado. Campaña promocional masiva para cubrir el coste de producción, con venta de souvenirs e incluso proyección en la Casa Blanca, frente al presidente Woodrow Wilson

La película defiende la unión entre Norte y Sur para impedir la supremacía negra, supuesta consecuencia de la abolición de la esclavitud. Glorificación del KKK como agente heroico capaz de impartir justicia, frente a negros y mulatos caracterizados como violadores con blackface

Fuertes críticas de la población negra y otros sectores de la sociedad, que acusan al film de “reabrir heridas”. Manifestaciones en contra de la película derivan en disturbios. Griffith llega a publicar un panfleto acusando a sus críticos de censurar las opiniones “impopulares”

Los incidentes violentos de índole racial se quintuplican al mes siguiente del estreno. Tres estados prohíben la proyección de la película por miedo a los disturbios. Un espectador dispara hacia la pantalla en la escena en la que Flora Cameron está a punto de ser violada

Se generan toneladas de merchandising a cuenta del Ku Klux Klan (sombreros, delantales, fiestas universitarias temáticas).

En noviembre de 1915 William Joseph Simmons revive oficialmente el Ku Klux Klan en Atlanta, celebrándolo con una quema de cruces

El KKK había sido desarticulado en 1870 por Ulysses Grant; ahora renace apuntalado con ansias antisemitas. Quince años después es sofocado tras varios escándalos políticos, aunque sobrevive hasta nuestros días a través de pequeños grupos

La película más taquillera de la historia en su momento, anima a Griffith a emular su escala y ambición en 'Intolerancia' (1916).

Su discurso racista es cuestionado múltiples veces en años posteriores, destacando la reciente 'Infiltrado en el KKKlan' de Spike Lee

Marzo de 1922

Preestreno de ‘Nosferatu’ de F.W. Murnau en Berlín tras una gran campaña publicitaria. Informes de producción, fotografías, ensayos sobre vampirismo.

Da Fest des Nosferatu es todo un evento, al que los invitados pueden ir disfrazados como si fuera una Comic Con

Buena parte del jaleo mediático viene de adaptar un best seller del calibre de ‘Drácula’ de Bram Stoker, a lo que hay que añadir un prolongado conflicto de Murnau con la viuda del autor por los derechos. ‘Nosferatu’ termina anunciándose como una “adaptación libre de ‘Drácula’”

La promoción empleada es muy similar en escala y articulación a la que cinco años después, también en Alemania, se desarrolla para anticipar el estreno de 'Metrópolis' de Fritz Lang y Thea von Harbou

14 de febrero/21 de noviembre de 1931

Tras la polémica de ‘Nosferatu’, Universal paga una millonada a la viuda de Stoker por los derechos y estrena ‘Drácula’. El éxito monumental provoca que a toda prisa y el mismo año se produzca y adapte 'Frankenstein' de Mary Shelley

Nacen los Universal Classic Monsters, el primer Universo Cinematográfico de la historia, que se prolonga a través de décadas y genera su propio merchandising. En 1932 llega ‘La momia’, en 1933 ‘El hombre invisible’, en 1935 la primera secuela oficial, ‘La novia de Frankenstein’

A lo largo de esta saga se desarrollan también los primeros crossovers, o ‘monster rallies’. Están 'Frankenstein y el hombre lobo' (1943) o 'La zíngara y los monstruos' (1944), pero también, jugando a fusionar IPs, ‘Abbott y Costello contra los fantasmas' en 1948

En los años 50, luego del estreno de ‘La mujer y el monstruo’ (gran referente de ‘La forma del agua’ de Guillermo del Toro), la fórmula se agota definitivamente con ‘El monstruo vengador’, en 1956. Coincide con la llegada de las primeras televisiones a los hogares estadounidenses

21 de diciembre de 1937

Estreno de ‘Blancanieves y los siete enanitos’. No es el primer largometraje animado de la historia (ese es 'El apóstol’ de Quirino Cristiani, 1917), pero sí la nueva película más taquillera de todos los tiempos, superando a ‘El nacimiento de una nación’

Tras una exportación sistemática a otros países, Walt Disney Productions logra constituirse como major de Hollywood e inaugura una nueva sede en Burbank, Los Ángeles (donde permanece en la actualidad). ‘Blancanieves’ es objeto de continuos reestrenos a lo largo de los años

Diciembre de 1939

Estreno de ‘Lo que el viento se llevó’, basada en un best seller de Margaret Mitchell. Como ‘El nacimiento de una nación’, ahonda en la Guerra de Secesión y en las heridas de la Reconstrucción. Como esta, se convierte la película más taquillera de la historia

1939 es un año increíble para el cine estadounidense. Howard Hawks rueda ‘Solo los ángeles tienen alas’, y el western se topa con sus dos primeras obras maestras: ‘La diligencia’ de John Ford y ‘Tierra de audaces’ de Henry King

Por otro lado, Victor Fleming combina en cartelera ‘Lo que el viento se llevó’ con ‘El mago de Oz’. El film que nos ocupa es una superproducción que llega a tener tres directores al frente (Fleming, George Cukor y Sam Wood), siendo su gran artífice el productor David O. Selznick

Debido a la segregación, a Hattie McDaniel (ganadora del Oscar por su papel) no se le permite asistir a la premiere de Atlanta. La película estimula un diálogo semejante a ‘El nacimiento...’ en tanto a las consecuencias de la guerra civil, la identidad racial y la esclavitud

7 años después, Disney lanza ‘Canción del sur’ compartiendo su visión idílica de la época preabolicionista. 82 años después, estimando que lo recaudado fue equivalente a 3.440 millones de dólares, ‘Lo que el viento se llevó’ sigue siendo la película más taquillera de la historia

Diciembre de 1954

‘20.000 leguas de viaje submarino’ otorga credibilidad a la joven división de acción real de Walt Disney Productions. Basada en Julio Verne y mediando el magnético protagonismo de Kirk Douglas, atrae al público con el espectacular reclamo del calamar gigante

Pocos meses después abren las puertas de Disneyland, primer parque temático de la Casa del Ratón. Coincide en el tiempo con la entrada de la compañía en el floreciente mercado televisivo, y en el díptico ‘Davy Crockett’ encontramos un proyecto transmedia con todas las de la ley

¿Por qué? Porque este biopic del famoso colono primero fue una serie televisiva en b/n, que visto su éxito Walt quiso convertir en largometraje limitándose a juntar los capítulos. ‘Davy Crockett’ triunfó en taquilla y generó un gran interés social por esta figura redescubierta

Mientras al actor Fess Parker le llegaban a pedir que inaugurara establecimientos como si fuera realmente Crockett, los gorros de mapache se vendieron como churros y la sección Frontierland, en Disneyland, se nutrió de toda una avalancha de público

Enero de 1955

‘Las diabólicas’, de H.G. Clouzot, termina su metraje con un rótulo dirigido a los espectadores: “¡No sean diabólicos! No destruyan el interés que sus amigos puedan tener en esta película. No cuenten lo que han visto”.

Nace la cultura del spoiler

Clouzot basó su thriller en una novela de Pierre Boileau que Alfred Hitchcock ya había mostrado interés en llevar al cine. Más tarde el maestro del suspense conseguiría adaptar otra obra suya, ‘Vértigo’, y perfeccionaría la rompedora estrategia promocional del director francés

Junio de 1960

Hitchcock anuncia ‘Psicosis’ con un tráiler sin imágenes del film donde recorre sus escenarios y comenta cosas como “deberían haber visto la sangre, demasiado horrible para describirlo”. Aprovecha la visibilidad que le ha dado en EE.UU. 'Alfred Hitchcock presenta'

Su objetivo, inspirado en ‘Las diabólicas’, es montar todo un circo mediático que mantenga el secretismo sobre esta adaptación de la novela de Robert Bloch (inspirada a su vez en los crímenes de Ed Gein). ‘Psicosis’ explota la fascinación del público por la figura del psicópata

Hitchcok tiene una idea brillante: convencer a los cines de no dejar entrar a ningún espectador que llegue con la proyección empezada. Protege así el impacto de la escena de la ducha a mitad de metraje, y convierte a ‘Psicosis’ en un fenómeno marcado por el morbo y el misterio

Antes de ‘Psicosis’ no importaba llegar tarde al cine, en tanto a atracción a la que podías subirte improvisadamente, porque pasabas por ahí.

Ahora ir al cine exige una planificación, someterte a un ritual. Uno que incluye no estropearle las sorpresas a espectadores potenciales

Octubre de 1962

Previo al estreno de ‘Agente 007 contra Dr. No’, United Artists despliega una gran campaña para que EE.UU. conozca a James Bond, creación eminentemente británica de Ian Fleming que surge como una fantasía de poder en tiempos de decadencia del imperio tras la IIGM

Los periódicos reciben cajas de novelas del personaje, folletos de la producción, fotos de Ursula Andress por todas partes. La imagen de Bond se vincula de inmediato con la revolución consumista, a cuenta de la incidencia mediática de bebidas, tabaco, ropa, coches… y sí, mujeres

Bond evoluciona velozmente de una fantasía de poder nacionalista a una de índole marcadamente masculino/hetero, dialogando con los avances sociales de la época en materia sexual. Críticas de la Iglesia Católica por obsceno, y desde el Kremlin por representar el mal capitalista

Criatura dependiente del fetiche y de su adaptación al zeitgeist, la saga James Bond busca reflejar cada época con sus iteraciones. Ya sea paranoia de la Guerra Fría, fiebre de ‘Star Wars’ en los 70, frivolidad noventera, o resaca de la combinación Bourne/MeToo

Junio de 1963

El presupuesto de ‘Cleopatra’, producida por 20th Century Fox, se incrementa hasta 44 millones de dólares por diversos percances, como el baile de directores entre Rouben Mamoulian y Joseph L. Mankiewicz. En su momento es la película más cara jamás hecha

También es la más taquillera de su año, pero no llega a dar beneficios por lo muchísimo que ha costado, y casi lleva a Fox a la quiebra. ‘Cleopatra’ no solo aniquila un subgénero tan habitualmente rentable por entonces como el péplum, sino que pone en crisis el modelo Roadshow

Es decir, la estrategia que en los 50/60 seguían las grandes majors de Hollywood para combatir el influjo de la televisión. Según esta, las películas tenían que ser cada vez más grandes y ofrecer una experiencia muy distinta a la que pudiera suponer la comodidad del hogar

Convertir, vaya, los estrenos en grandes eventos: producciones de gran duración (muchas veces divididas en dos partes, con un intermedio) que han de acaparar huecos de agenda. Por propia naturaleza, las producciones que más se ajustan al modelo son los péplums y los musicales

‘Cleopatra’ lidera un grupo de películas carísimas pero incapaces de generar beneficios, que llevan a Hollywood a la crisis. Títulos como ‘El extravagante doctor Dolittle’, ‘Camelot’, ‘El más feliz millonario’ en Disney o, por muy irónico que suene, 'La caída del imperio romano'

Abril de 1968

El estreno de ‘2001. Una odisea en el espacio’ ejerce de feliz excepción en un momento donde el cine espectáculo parece incapaz de dialogar con los grandes cambios de su época, encorsetado por los moldes de un Hollywood decadente

La película de Stanley Kubrick parte precisamente de uno de los medios que, junto a la música, mejor están reflejando la agitación de los 60: la ciencia ficción literaria que vive un boom representado por Clarke, Dick o, claro, Frank Herbert, que publica ‘Dune’ en 1965

Mientras ‘2001’ se convierte en un sorprendente éxito comercial, espoleado por la contracultura y su utilidad para canalizar viajes LSD, varios títulos auguran el terremoto que se avecina en Hollywood, como ‘Bonnie & Clyde’, ‘La noche de los muertos vivientes’ y ‘El graduado’

Hasta que, un año después de ‘2001’, se estrena ‘Easy Rider’, donde son los propios protagonistas quienes ingieren LSD y escenifican la ruptura con el viejo Hollywood

Marzo de 1972

Y, con el estreno de ‘El padrino’, ya se puede hablar en puridad de blockbuster.

Esto no se debe tanto a la promoción, el presupuesto o al vínculo con un best-seller (publicado por Mario Puzo), como a su novedosa forma de exhibición

Lo más habitual, antes de ‘El padrino’, era que el paso de la película por las salas del país fuera escalonada. Debido al coste de la publicidad televisiva, la promoción tendía a limitarse a los elogios de la prensa, y a que estos fueran acompañando la expansión territorial

No es que antes de ‘El padrino’ no se estrenara de forma simultánea, pero debido a la dependencia crítica se tendía a percibir como que la película no era buena y quería atraer velozmente a públicos incautos. Esta modalidad, de hecho, se solía reservar a producciones de serie B

En el caso de ‘El padrino’, sin embargo, los exhibidores pagaron anticipos a Paramount de cara a aumentar el número de pantallas donde se estrenara simultáneamente. Unido a las excelentes críticas, la recaudación fue inmensa, y cobró importancia el “fin de semana de apertura”

Por otro lado, gracias a Coppola empieza a mitificarse al "autor comercial". Llega a la estela de Kubrick/Hitchcock, pero mediando el Nuevo Hollywood, la política de autores y la noción de “artista vs estudio”, en este caso un triunfal Coppola contra las injerencias de Paramount

Junio de 1975

Luego del exitazo dos años antes de ‘El exorcista’, asistimos a un punto decisivo para la industria. Antes de ‘Tiburón’ los grandes espectáculos no solían estrenarse en temporada veraniega, a favor de Navidad (cuya cercanía a los Oscar podía impulsar la taquilla)

Pero a mediados de los setenta se había extendido una maravillosa invención: el aire acondicionado. Ya no era necesario limitarse a los drive-in o los cines de verano, se podía recurrir a salas con grandes aglomeraciones sin perder comodidad. No tenía que afectar a la taquilla

‘El padrino’ se estrenó en primavera por logística, llevando a buen puerto el modelo de distribución simultánea al que se ajustó Universal con ‘Tiburón’. Añadía a la ecuación el aire acondicionado y un film que gritaba 'verano' a cada minuto (aunque fuera un verano aterrador)

La promoción de ‘Tiburón’ fue, asimismo, muy novedosa. Más allá de la cantidad de dinero destinada a la publicidad en TV y prensa, el fenómeno de de Spielberg se nutrió de ventas de camisetas, bsos, disfraces y la novela original de Peter Benchley, reeditada con el logo del film

También fueron importantes los preestrenos a lo largo de abril, que contribuyeron a aumentar la expectación. La posterior distribución al extranjero sí coincidió con Navidad, rematando un plan de distribución que convirtió a ‘Tiburón’ en la película más taquillera de la historia

Agosto de 1975

No cambiamos de año porque cuando ‘Tiburón’ sigue triunfando en las salas asistimos a un fenómeno mucho más importante de lo que parece en un primer momento: ‘The Rocky Horror Picture Show’ se estrena con malas críticas y escasa influencia en EE.UU. y Gran Bretaña

Se basa en el musical homónimo de Richard O’Brien, que había debutado dos años antes en el Royal Court Theatre de Londres. Nace de un pastiche referencial inabarcable: estética glam, homenajes al terror de serie B, hincapié en la liberación sexual, payasada camp, exaltación queer

Cuando Jim Sharman dirige la película, ya ha llegado a Broadway. Pero, aun mediando una proyección conjunta con ‘El fantasma del paraíso’ de De Palma, ‘The Rocky Horror Picture Show’ pasa por las salas sin pena ni gloria. Un año después, un grupo de exhibidores tiene una idea

Esto es: exhibirla a medianoche en cines específicos, estilo lo que años antes se había hecho con ‘Pink Flamingos’. Sesiones golfas donde no había protocolos sociales y el público podía reaccionar como le diera la gana. En consecuencia, los espectadores se “apropian” del film

Antes de ‘Star Wars’, la gente ya se acostumbró a ir disfrazada a los pases de ‘The Rocky Horror Picture Show’. En torno a la película se crea velozmente un culto que contempla diversos rituales (gritar X cosa en X momento del metraje) y actuaciones junto a la pantalla

‘The Rocky Picture Show’ inaugura un tipo de fiesta/proyección de película que no ha dejado de hacerse desde entonces (exportable a otros títulos, institucionalizado con el Sing-Along), y fomenta la participación e interacción del público de un modo nunca visto antes

Noviembre de 1976

Nos topamos con otro ‘Rocky’ destinado a la historia del cine. La peli protagonizada y escrita por Sylvester Stallone tiene un gran desempeño en taquilla, y permite una identificación tan fácil como redentora en el público. Revuelta contra el cinismo de los 70

Rocky Balboa contrasta con los antihéroes que trajo ‘El graduado’, y encabeza un episodio determinante para entender el cine popular y el esfuerzo de la Academia de Hollywood por calibrarlo: ‘Rocky’ gana el Oscar a Mejor película en detrimento de Travis Bickle y ‘Taxi Driver’

Mayo de 1977

Se estrena una pequeña peliculita titulada ‘La guerra de las galaxias’

Llega en primavera, como llegó ‘El padrino’. Fox es más conservadora de lo que fue Universal con ‘Tiburón’, con un pase inicial de solo 32 cines. George Lucas pensaba, de hecho, que su amigo Spielberg le iba a tumbar en taquilla con ‘Encuentros en la tercera fase’

Propone disminuir su sueldo a cambio del merchandising. Por obligaciones contractuales la proyección en el Teatro Chino de Los Ángeles ha de ser sustituida en pocas semanas por ‘Carga maldita’ de Friedkin. Esta última es un fracaso y es sustituida de inmediato por sí, ‘Star Wars’

El triunfal regreso del film coincide cuando se está proyectando en 1096 cines a lo largo de EE.UU. El furor social espolea las sesiones continuas, engrosa colas kilométricas, logra que el fandom se consolide más allá del nicho o lo televisivo (como venía pasando con ‘Star Trek’)

A partir de ‘Star Wars’ los efectos visuales se convierten en el combustible principal de los blockbusters junto al pastiche (adaptaciones, franquicias o, como había practicado Lucas, regurgitación de referentes).

El merchandising puede generar más dinero que la película en sí

Junio de 1978

‘Grease’ supera la recaudación de ‘Sonrisas y lágrimas’ y devuelve el musical al dominio de la taquilla. Un musical enclavado en la senda pastiche a lo ‘Rocky Horror’ (ese supuesto instituto 50s con adolescentes-treintañeros estereotipados), de inmenso impacto pop

Diciembre de 1978

‘Superman’ es la película más cara de la historia. Había empezado a producirse antes de ‘La guerra de las galaxias’, de forma que no puede atribuirse una relación.

Inauguración del moderno género superheroico

De forma pionera se intenta rodar de forma simultánea la secuela. Sale mal por las desavenencias con Richard Donner (que retrasan ‘Superman II’ a 1980), pero se intuye una madurez industrial a la hora de desarrollar el cine de entretenimiento, perfeccionada en la década siguiente

1979

Fox estrena ‘Alien, el octavo pasajero’ como tercera vía entre los grandes éxitos de la década: el terror de ‘El exorcista’ y ‘Tiburón’ se funde con la ambientación espacial de ‘La guerra de las galaxias’, generando una identidad propia que encandila a crítica y público

Esta ambientación se repite en el nuevo Bond, ‘Moonraker’. Otro hit del año es ‘Rocky II’.

Tanto ‘Alien’ como ‘Star Wars’ como ‘Tiburón’ como las citadas (más ‘Superman’) forman o formarán parte de sagas. Las lógicas de explotación asaltan el mainstream para nunca abandonarlo

1980

El colosal fracaso de 'La puerta del cielo' da carpetazo a la experiencia del Nuevo Hollywood, decantando la industria hacia entretenimientos adolescentes.

El final sorpresa de 'El imperio contraataca' causa conmoción en el público. Pacto de silencio semejante a 'Psicosis'