En 1999 la fotógrafa Alessandra Sanguinetti se encontraba al sur de Buenos Aires realizando un proyecto fotográfico, cuando se encontró en una finca cercana a dos niñas que la seguían a todas partes, fascinadas por su cámara.
Así fue como empezó todo.
Las dos niñas, dos primas que se llamaban Guille y Belinda, tenían 9 y 10 años cuando conocieron a Sanguinetti, y en un principio la fotógrafa les pedía que se apartaran para poder hacer fotos a los animales de la finca donde vivían.
Sin embargo, Sanguinetti empezó a pedirles que posaran con los animales y a prestarles mayor atención.
Después de terminar su anterior proyecto fotográfico —El Sexto Día— volvió a la finca donde se encontraban las primas y se concentró en sacarles fotos.
Enseguida se creo una complicidad entre las 3, desde donde fluían las ideas: Sanguinetti solía proponer a modo de juego alguna escena, jugando con sus propias ideas y recuerdos de la infancia en el campo que se mezclaban con las propias ideas y sueños de Guille y Belinda.
Esa transformación de las ideas de Sanguinetti pasadas por el filtro infantil de las dos primas es la que hace a la serie tan interesante.
Guille y Belinda se apropiaban de las imágenes que la fotógrafa les sugería y las hacían suyas, como numerosas pinturas de ángeles.
A partir de ese verano de 1999, Sanguinetti fotografió los sueños y la transición de la infancia a la adolescencia, fijándose en la relación tan especial que se crea en la niñez y que mantienen las dos primas dentro de la comunidad rural.
Sanguinetti captura los momentos espontáneos y cotidianos, pero también los momentos más difíciles del paso a la adultez, aquellos que chocan con los sueños que una vez concebimos cuando éramos niños (creando un mundo mágico y completo en si mismo).
Como reconoce la propia Sanguinetti, el protagonista principal de toda la serie de fotos es el tiempo:
«Sabía que había una historia que contar […] cómo luchamos contra el tiempo, cómo el tiempo nos cambia y cuánto control tiene el tiempo sobre el camino de nuestra vida».
Quizá una de las cosas más maravillosas de toda la serie sea ese eco de los sueños infantiles que se diluyen o que toman nueva forma con los mismos gestos, renovándolos y recreándolos de nuevas maneras según el carácter se va formando.
Se recrean gestos y miradas, que nunca se agotan y que continúan teniendo un eco en el crecimiento personal, donde destaca especialmente la maternidad —primero soñada, y después realizada— y la fascinación de la una por la otra.
El mérito de Sanguinetti es capaz de captar con sutileza pero precisión estos anhelos ya presentes, la soledad y el carácter de cada una de las dos primas.
Durante una década sigue trabajando con Guille y Belinda, retratando sus vidas.
En otro volumen que se titula An Everlasting Summer representa a las primas desde los 14 a los 24 años mientras experimentan el amor joven, el embarazo y la maternidad y la separación inevitable la una de la otra a la que inevitablemente les dirige la adultez.
En este sentido la serie de fotos de Guille y Belinda aún no ha terminado, Sanguinetti reconoció que habrá un tercer volumen de fotos que ocupará esa franja de tiempo desde los 24 hasta los 34 probablemente y que marcará otro paso más de las primas en su camino a la madurez.
En unas declaraciones a Magnum, Alessandra Sanguinetti dice
«Se trata de prestar atención. Guille y Belli son extraordinarias, pero también lo son todos los demás. Solo depende de quién y cómo estén prestando atención».
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Hoy os hablamos de Libuše Jarcovjáková, una de las fotógrafas checas mas importantes del siglo XX, y a la que a menudo se compara con Nan Goldin por la naturalidad de su mirada intimista y honesta con la que fotografía a la gente en los márgenes.
Libuše Jarcovjáková nació en Praga en 1952 en el seno de una familia de pintores, y eso le permitió entrar desde muy pronto en contacto con el ambiente artístico.
A los 14 años compró una cámara Pionyr y desde entonces tuvo claro que lo que quería era dedicarse a la fotografía.
Mientras estudiaba diseño en la Academia de Artes Escénicas de Praga ya experimentaba con su cámara.
Y un detalle que se repite en casi todas sus fotos de esta etapa es que las personas que fotografía están de espaldas «no me atrevía a fotografiarles de cara, yo era muy tímida»
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En una entrevista en 2018 Sofia Coppola reconocía la importancia de la fotografía en toda su filmografía.
Hoy os vamos a acercar algunos de los fotógrafos que han influido en su obra.
En 1999, como inspiración para realizar Las Vírgenes Suicidas, Coppola se sirvió de la fotografía de Bill Owens, especialmente su fotolibro Suburbia.
Coppola había conocido la obra de Owens a raíz de que su madre le regalara una foto “Eight Grade Dance” (1973)
Como Owens, William Eggleston retrató la vida de los suburbios estadounidenses de los años 70, y consiguió capturar la belleza de universo adolescente.
William Eggleston, es uno de sus fotógrafos preferidos de Coppola y una referencia constante en todo su trabajo.
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Fotógrafa elegante y discreta, Martine Franck pasó a la historia algo relegada por la posición de su marido, el famoso Henri Cartier-Bresson.
Hoy os contamos un poco más de su vida y de su fotografía.
Martine Franck nació en Amberes en 1938. Era hija del banquero y coleccionista de arte Louis Franck, y tuvo una infancia itinerante por varios países, siempre en contacto con el arte,por lo que llegó a estudiar historia del arte en París y en la Universidad Complutense de Madrid.
Tuvo que pasar un tiempo hasta que Franck comenzó a experimentar con la fotografía.
En 1963, cuando estaba terminando su tesis, decidió definitivamente que lo suyo no era el mundo académico y viajó por China y los países orientales con la cámara Leica de su primo.
Vamos a estrenar el primer hilo del año hablándoos de la corta pero intensa trayectoria en el mundo de la fotografía de Marianne Breslauer, una de las fotógrafas más destacadas del movimiento de la Nueva Fotografía de los años 30.
Nacida el 20 de noviembre de 1909 en Berlín, en el seno de una familia burguesa judía, era hija del famoso arquitecto Alfred Breslauer y de Dorothea Lessing, que le educaron en un ambiente liberal, rodeada de cultura y riqueza.
Por esta razón tuvo la posibilidad de entrar en contacto con el mundo de la fotografía muy joven, y con apenas 15 años decidió que quería dedicarse a ello cuando conoció las fotos de André Kertész y visitó una exposición del trabajo de la retratista Frieda Riess en Berlín.
Al habla @eadeeva ✨
Hoy os acercamos brevemente a la vida y obra de una de las mejores representantes del movimiento que se llamó la poesía de lo cotidiano, pero bastante poco conocida fuera de su país: la fotógrafa checa Marie Šechtlová.
Marie, nacida Kokešová vino al mundo en 1928 en Chomutov, en el seno de una familia de clase trabajadora con la que se muda a los 10 años a Tábor.
Será en esta ciudad donde comenzará a aprender fotografía en 1947, en el instituto de la ciudad.
Con apenas 20 años conoce al también fotógrafo Josef Šechtl con el que se casa unos meses más tarde.
Termina sus estudios de fotografía atendiendo en el estudio de su ya marido Šechtl & Voseček, ayudando a su desarrollo hasta que fue nacionalizado por el gobierno comunista.
Al habla @eadeeva ✨
Hoy repasamos la breve vida y obra de la fotógrafa Carol Jerrems.
Comprometida políticamente, se la conoce principalmente por retratar el undeground de la década de 1970 en Australia, capturando la vulnerabilidad y la intimidad de los ambientes marginales.
Carol Jerrems nació en 1949 en Ivanhoe, Australia, en el seno de una familia de clase media.
Su interés por la fotografía comenzó temprano, y se graduó en el Prahran T. School, donde fue alumna del cineasta Paul Cox a raíz de lo cual el cine influiría en su obra notablemente.
La obra de Jerrems también se vio influenciada por los fotógrafos estadounidenses, en concreto por la figura de Diane Arbus, de la que supo en 1972 y que marcaría por completo su fotografía posterior, empujándola a centrarse en los ambientes marginales y contraculturales.