El #PanDeOro fue recuperado y renovado para el arte moderno en los s. XIX-XX por gentes como el genial Gustav #Klimt, su principal valedor.
Ven y te cuento⬇️
¿Os suena, verdad? Es el "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" (ponemos I porque hay un II) más conocida como "La dama de oro", obra cumbre de la "época dorada" pintada por Gustav #Klimt entre 1903 y 1907, puro #Modernismo y #ArtNouveau, y cargada de #Simbolismo.
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El señor de la foto es el genio del arte Gustav #Klimt, y su padre era orfebre y joyero, detalle fundamental, junto con otros que os contaré a continuación, de cómo y porqué desarrolla el oro como pigmento y material artístico y lo convierte en parte de su estilo.
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Adele #Bauer pertenecía a una rica familia vienesa de banqueros e industriales.
Se casó con Ferdinand #Bloch, también banquero y propietario de empresas azucareras.
El matrimonio #BlochBauer y su familia fueron patrocinadores de las artes, literatura y política vienesas.
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De hecho Ferdinand era coleccionista de arte, y le compró a #Klimt el famoso "Bosque de Hayas", impresionado por su arte. Y aprovechó para encargarle un retrato de su mujer, Adele, para regalárselo a sus suegros, para su aniversario. Klimt aceptó esta gran oportunidad.
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#Klimt trabajaba compulsivamente. Se conservan más de 4.000 trabajos suyos, entre obras acabadas y bocetos.
Se pasó un año haciendo dibujos e investigando técnicas para el retrato, con más de 100 bocetos. Pero buscaba algo diferente, algo nuevo.
Aquí algunos bocetos:
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La idea que le rondaba la cabeza era usar el retrato de Adele como símbolo de la nueva mujer vienesa. Y no es fácil crear un símbolo que sintetice y cristalice esta idea.
Por no convencerle, no conseguía ni la postura correcta de la retratada.
Aquí más bocetos:
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#Klimt trabajó en la preparación de esta obra más que en ninguna otra.
En diciembre de 1903 Klimt visitó la basílica de #SanVitale en #Rávena, y tuvo la revelación cuando pudo estudiar los mosaicos bizantinos de oro de #Justiniano I y su esposa, la emperatriz #Teodora.
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Ésa era la idea de esplendor, de brillo, de color que buscaba, especialmente la parte de Teodora y su corte, mucho más colorida y rica que el serio séquito de Justiniano.
Y esa rica luminosidad que le brinda el dorado: ésa era la clave!
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Adele Bloch-Bauer será como la emperatriz bizantina Teodora: una mujer poderosa emperatriz, culta y bella. Así sintetizará #Klimt su visión de la imagen de la mujer vienesa moderna: una mujer independiente, empoderada y libre.
Y dorada, muy dorada!
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¿Y la pose? Pues para captar a una nueva emperatriz intemporal, #Klimt se inspiró en una obra icónica de J. Auguste Dominique #Ingres como "#Napoleón I en su trono imperial" (1806) y pintará a Adele sentada en un trono y en toda su majestad.
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#Klimt era hijo de joyero y orfebre, y había visto a su padre trabajar el oro, seguramente también los dorados con #PanDeOro y otras técnicas de dorado. Aún así desarrolló una técnica, mezclando yeso, tiza y "pan de oro" y "pan de plata", para la obra.
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Un poco de técnica?
Para aplicar #PanDeOro se necesita que la superficie sea muy plana, por lo que se le daban entre 20-30 capas de imprimación, con lijados intermedios, normalmente con tiza (creta). Cuanto más plana la superficie mejor se bruñirá (pulido/abrillantado).
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Las fotos de esta parte del hilo son del súper-blog restauraycrea.blogspot.com/2013/11/restau…
y en este link veréis el proceso completo.
Tras la imprimación con tiza se dan 6 o 7 capas de #Bold (bol o bolo, una arcilla rojiza y ocre). Así si queda algún hueco en el dorado no se notará.
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Cada etapa se lija, limpia o se pule, según el material, para que la superficie quede perfecta.
Aplicar la hoja o #PanDeOro es muy delicado: es finísima, se rompe fácilmente y se usan pinceles que se frotan un poco para generar energía estática y atraer la hoja de oro.
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La hoja de oro no se pega en la nada: necesita de un barniz o liquido pegajoso (antiguamente agua con clara de huevo).
Así poco a poco se van pegando el #PanDeOro sobre la superficie, la cual se va adaptando como una piel de oro a los relieves creados por debajo.
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Tras el dorado viene el bruñido, que es pulir el oro, dejándolo más liso todavía hasta conseguir que sea casi un espejo. Se usan para ello unos bruñidores con cabeza de ágata, un mineral, con distintas formas adaptadas para este fin.
Y ya estaría... o quizás no!?
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Este es el proceso general, pero hay variantes: #Klimt usó "pintura de caseína, estuco aplicado y dorado", combinando botones de cristal y de nácar, vidrios sobre metal, pequeños espejos y anillos de latón, para crear relieves y efectos brillantes como en los mosaicos.
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La caseína funciona también como fijador y tiene grandes ventajas:
-No amarillea con el tiempo y mantiene la brillantez del pigmento más que nadie.
-Se vuelve insoluble al agua y protege por siempre de la humedad.
-Aún fijada la obra puede seguir siendo trabajada.
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El "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" fue pintado al óleo, con #PanDeOro y plata. Si hay caseína será mezclado con las otras técnicas como fijador, adhesivo y protector.
¿Habéis notado que hay ojos, almendras, huevos y espirales por la obra? Nada es casual...
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Los ojos hacen referencia a los amuletos del tipo Ojo de Horus, de origen egipcio; las espirales vienen del arte micénico; el oro y las almendras del arte bizantino... Toda una colección de símbolos y referencias a la historia del arte y grandes civilizaciones antiguas.
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De hecho el envolver a la retratada en oro es sacarla del mundo real y llevarla al plano superior de lo espiritual. Así hay quien ve en el retrato una especie de sueño sensual, el símbolo de la mujer soñada, amada, bella y sensual.
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Los Bloch-Bauer eran judíos, y cuando llegó el nazismo fueron expoliados de todas sus posesiones y asesinados.
Esta obra, por avatares del destino, se salvó en el museo Belvedere de Viena, donde "nadie conocía su identidad ni historia" y se la llamó "La dama de oro".
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Era mentira: #Austria conocía bien la historia, pero se avergonzaban de su colaboracionismo con el régimen Nazi y con el genocidio de los judíos. Se entregó al nazismo y colaboró muy activamente en todas sus barbaridades, y por supuesto en el expolio y el genocidio.
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El expolio artístico del régimen Nazi se estima en 600.000 obras de arte, que fueron robadas por los nazis y sus colaboradores (Austria, Suiza,...) en Europa entre 1933 y 1945: 200.000 en Alemania y Austria, 100.000 en Europa occidental y 300 000 en Europa del este.
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En los años 90 algunos países con este "pasado" se propusieron "enmendarlo", haciendo una devolución masiva de propiedades y arte expoliado.
Fue más una gran operación de blanqueo que otra cosa, con un cierto coste que pensaron asumible.
Pero entonces apareció ella!
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Esta anciana señora es María #Altmann, sobrina de... Adele Bloch-Bauer!!! Escapó de los nazis a principios de la WWII y huyó a EEUU.
Aprovechando la oferta de Austria pidió que le devolvieran los cuadros de su familia, en total 5 cuadros de #Klimt. Y Austria dijo NO.
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Una cosa es predicar y otra dar trigo. Austria nunca imaginó que la pintura más famosa de su museo más importante, el tesoro nacional, su Gioconda dorada, entraría en este paquete, y se portó muy mal con la heredera legítima, la cual tuvo que pleitear durante años.
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#Altmann hubiera dejado en el museo, quizás en préstamo, las obras porque sólo quería justicia, que la historia de su familia se conociera, esa misma historia borrada por el nazismo y por Austria como colaboradores.
Quedó tan harta que, tras ganar, se los llevó todos.
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Toda esta historia se cuenta de maravilla en el film "La Dama de oro" (Woman in Gold - 2015). Muy pero que muy recomendable para que se entienda, un poquito, de cómo se las gastan los estados cuando hablan de devolver arte y el precio del blanqueamiento político.
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Gracias a este proceso que ordenaba a los museos austríacos que revisaran sus catálogos en búsqueda de arte expoliado por los nazis, recuperó los retratos femeninos 'Adele Bloch-Bauer I' y 'II', y 'Casas en Unterach, a orillas del lago Attersee', 'Manzano I' y 'Hayedo'.
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En fin, no me he podido resistir a contaros la historia del cuadro, antes, durante y después de ser pintado.
Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño.
El icono de hoy es una joya nacida en el taller de #LeCorbusier, uno de los grandes de la #arquitectura de s. XX: la #LC4.
Sólo que no la diseñó él, sino Charlotte #Perriand.
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Charles-Édouard #Jeanneret-Gris, más conocido como #LeCorbusier, fue un gran arquitecto y, sobre todo, un influyente teórico de la #arquitectura y el #urbanismo: uno de sus grandes renovadores.
Además, y en mi opinión, era un excelente pintor y un notable escultor.
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La #arquitectura moderna llegó con él, en el 1er tercio del s. XX, junto con F. Lloyd #Wright, O. #Niemeyer, Walter #Gropius, A. #Aalto, R. #Neutra, L. Mies #vanderRohe...
Fue un agitador de la cultura, un renovador, y sus polémicas trajeron mucha innovación.
Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño.
Un día la #arquitectura encontró al #arte y nació el #diseño: hablamos del matrimonio Charles y Ray #Eames, quizás los diseñadores estadounidenses más influyentes del s. XX.
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El arquitecto y diseñador Charles #Eames y su esposa y socia la artista, arquitecta y diseñadora Ray #Eames (Ray-Bernice Kaiser) fueron un matrimonio estadounidense de gigantes del diseño industrial, y algunas de sus creaciones son históricas.
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Lo primero: reivindicar la figura de la inmensa artista, arquitecta, diseñadora y cineasta Ray #Eames, la cual muchas veces es eliminada de la autoria de sus famosos diseños de la pareja.
Aunque la imagen pública del equipo fue Charles: la autoría siempre fue compartida.
Dentro el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño, para el #TwitterCultural, encontraremos pocos diseños tan excelentes como la aceitera #Marquina.
Este objeto iconico fue diseñado por el arquitecto español Rafael Marquina.
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Cuando Steve #Jobs dijo: " El diseño no sólo es apariencia, no sólo es lo que se ve y se siente: el diseño es cómo funciona", parecería que hablaba del diseñador español Rafael #Marquina.
Pocos como Marquina para crear diseños perfectamente tan bellos como funcionales.
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La aceitera #Marquina es uno de los grandes hitos del diseño, no sólo español, sino mundial, en donde se aporta una solución sencilla a un problema cotidiano.
Un objeto transparente, fácil de usar y fabricar, estable y preciso: la quintaesencia del buen diseño.
Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño, para el #TwitterCultural.
No hay escritorio más icónico, quizás ni mueble, que el #Resolute: el escritorio del Presidente de los EEUU @POTUS.
Y tiene una historia flipante...⬇️
Este escritorio es icónico por lo simbólico: representa al Presidente de los EEUU. No es la silla, en plan trono: esto recordaria mucho a un monarca. Es un escritorio de trabajo, lo que nos lleva a la idea del gestor, del funcionario, del empresario, del banquero...
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Sin duda la Casa Blanca @WhiteHouse es uno de los centros de poder político del mundo. Dentro de ella es especialmente icónico el "despacho oval" y dentro de éste el escritorio #Resolute, que vienen a ser símbolo e imagen del poder del Presidente de los EEUU @POTUS
¿Qué está pensando este señor de la obra de arte que está mirando?
El hilo de #FinDeAño es sobre la obra "El experto / The connoisseur" (1961) de Norman #Rockwell, publicado en la Portada de "The Saturday Evening Post", (13/01/1962).
Una obra con mucha historia. Dentro hilo⬇️
En este tweet comparto la portada que comentaba.
Aunque #Rockwell fue un artista figurativo que nadaba contra corriente, pero estaba fascinado con el arte "moderno" (pensad en los años 50s y 60s) y del #ExpresionismoAbstracto, que triunfaba en el EEUU de aquella época.
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Para triunfar en el arte tras la 2ª Guerra Mundial en EEUU, y en Europa también, era (casi) obligatorio ser abstracto o estar en alguna vanguardia. Era lo "moderno".
Los artistas figurativos lo tenían complicado.
Uno de los artistas del momento era Jackson #Pollock.
Nuevo hilo del ciclo #RecuperArte sobre obras de #arte perdidas y recuperadas, para #TwitterCultural.
¿Os acordáis de aquel cuadro de temática cristiana de la cocina de vuestra abuela?
Pues resultó ser el cuadro medieval más caro de toda la historia: 24 M.€!
Vais a flipar⬇️
El «Cristo burlado» apareció el 2019 en la casa de una señora de unos 90 años, de Compiègne, pequeño municipio al norte de #París (#Francia). Es una de las poquísimas pinturas del maestro italiano #Cimabue, de finales del #Gótico, un ejemplo del #Prerrenacimiento.
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La anciana lo tenía en el pasillo entre la cocina y el comedor. Se mudó y sus familiares vendieron el inmueble, junto con los muebles y objetos.
Aquella pintura sobre madera con aspecto de icono ortodoxo, parecía tener cierto valor, aunque sólo fuera por antigua.