Un artista desconocido, con su arte, salvó la mayor estatua hecha de oro macizo: El "#Buda de oro" del templo #WatTraimit, #Bangkok, #Tailandia.
Ven y te cuento⬇️
El oro es valiosísimo y se funde fácilmente, así que muchas obras hechas de oro no nos han llegado: los conflictos bélicos, los saqueadores, las dificultades económicas de reyes y mandatarios han llevado a muchas grandes obras al fundidor para hacer lingotes o monedas.
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Así si nos llega una estatua que pesa 5.500 kg en oro puro macizo, en un lugar donde han sucedido muchos conflictos desde la antigüedad como #Tailandia, uno piensa: ¿Cómo va a ser? Imposible!
Pero aquí llega el arte y algo (mucho) de suerte al rescate del #Buda de oro.
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El #Buda de oro de #WatTraimit mide 3 m. de alto y pesa 5,5 toneladas de oro puro.
La #iconografía del #budismo es muy rica, y sus estilos y escuelas: en este caso la estatua es de estilo de #Sukhothai (1238-1370) pero podría ser posterior (y no más tarde del s. XVI).
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Dos cosas a reseñar: la cabeza de la estatua lleva el #ushnisha, que es una especie de huevo, óvalo a veces representado como moño, otras como llama ardiente o como especie de tocado/corona o turbante. Representa la sabiduría y conocimiento superior, la mente liberada.
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Es uno de los signos exteriores demostrativos de ser #buda.
Hay multitud de formas de #Ushnisha, y si lo encontramos como tocado o corona suelto (separado de la cabeza de buda y para ser usado) suele ser de oro o metal dorado.
Os dejo varios ejemplos:
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La cabeza del #Buda de oro está coronada con una llama sobre el #ushnisha que representa el resplandor de la energía espiritual, y esto fue una innovación de la escuela #Sukhothai. En los anteriores ejemplos podemos ver ideas parecidas, pero la original está aquí:
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Tal éxito tuvo la idea que en #Tailandia la cabeza de Buda siempre se corona con una llama.
Otros elementos simbólicos del budismo, que vemos en la cabeza de la estatua del #buda de oro:
- Nariz aguileña.
- Nacimiento del pelo en forma de V.
- 3 pliegues en el cuello.
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Esos atributos señalan que #Buda (Siddhārtha Gautama) era un príncipe. También las orejas alargadas y con grandes hendiduras: al ser príncipe y cargar pesados pendientes, las orejas se deforman.
Le quedaron como símbolo de su renuncia, su viaje vital y su pasado.
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Pero bueno, otro día (si tenéis interés) hablo de iconografía budista.
Pero entonces, ¿Cómo fue que el arte salvó la estatua de ser fundida, como ha pasado a otras tantas veces?
Pues la cosa es que en los años 1700 los birmanos amenazaban con invadir #Tailandia.
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"Indochina" siempre albergó conflictos: de los reinos que allí existieron en el pasado, y por su posición geográfica estratégica, siempre atractiva para potencias como China, Japón y países europeos (Francia).
La cosa es que, en algún momento, el buda estuvo en peligro.
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Hubo una guerra entre #Birmania (hoy #Myanmar) y #Siam (hoy #Tailandia) de 1765-1767, que aunque ganaron los birmanos, tuvieron que recular para defenderse, ya que los chinos aprovecharon el momento de distracción para invadir Birmania, y la cosa quedó como estaba.
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Así que un artista o grupo de artistas pensaron que si los birmanos llegaban, como sucedió, y encontraban el buda de oro, lo fundirían en lingotes.
¿Cómo lo protegieron? Con estuco dorado, sí señor, lo cual le dio una apariencia de buda de yeso.
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Existen miles de estatuas de Buda hechas de arcilla, cubiertas con yeso y decoradas con pintura dorada, #PanDeOro o cualquier solución de dorado accesible y barata.
Nadie destruiría una estatua de #Buda de manera gratuita, pero sí para fundirla como botín de guerra.
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Y se olvidó.
Así, "maquillada" como una estatua "corriente" de arcilla, yeso y dorada de manera "habitual", pasó desapercibida, y fue trasladada a un templo de "segunda".
Como era poco atractiva, más tarde se trasladó a otro lugar menos importante, pero pesaba mucho...
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Pesaba mucho: era de oro macizo!!! Pero ya nadie se acordaba, se dio por perdida en la guerra y los artistas que la ocultaron o murieron o nunca lo dijeron. Así que nadie lo sabia.
Tanto pesaba que al trasladarla se rompió la grúa y quedó tirada... ¡en la calle!.
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Así fue, en el traslado a la pagoda de #WatTraimit, en 1935, se quedó en la calle, también porque no tenían sitio.
Alguien se apiadó de esta estatua y le puso un techito de chapa ondulada y así, bajo un chamizo estuvo durante 20 años, hasta 1955.
Ya 200 años escondida!
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En 1954-55 se construyó una ampliación en el templo para ubicarla, pero al volver a levantarla las cuerdas se rompieron, y hubo una inmensa tormenta: Mal augurio para una imagen budista!
Pasada la tormenta una parte del estuco se había roto y dejaba ver: el oro macizo!
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Se retiró el yeso con cuidado (la cobertura de yeso se exhibe en el templo) y se encontró la estatua de oro, que se divide en nueve partes que encajan perfectamente e, incluso, la herramienta en forma de llave que permite montarla y desmontarla (para su transporte)
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Además, la estatua "salió" del anonimato y mostró su naturaleza muy cerca del 2.500 aniversario de la muerte de Siddharta Gautama #Buda Shakyamuni, por lo que muchos pensaron de que se trataba de una señal, o quizás de un milagro.
El templo ahora recibe muchas visitas.
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El aspecto y la iconografía en la representación de Buda es amplísima y desborda el objetivo de este hilo. Os dejo ejemplos de diversos países: desde la India e Indochina hasta Japón.
Hay elementos comunes, similares en su diversidad, pero en todos lo reconoceréis.
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En #Tailandia, este #Buda es ejemplo de su "canon": todo dorado, símbolo de la abundancia, de jerarquía, de riqueza, pero de riqueza espiritual, y de la luz del "despierto".
Así fue como un artista camufló una estatua de 5.500 kg de oro para que no la robaran.
Pronto más hilos!
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Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño.
El icono de hoy es una joya nacida en el taller de #LeCorbusier, uno de los grandes de la #arquitectura de s. XX: la #LC4.
Sólo que no la diseñó él, sino Charlotte #Perriand.
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Charles-Édouard #Jeanneret-Gris, más conocido como #LeCorbusier, fue un gran arquitecto y, sobre todo, un influyente teórico de la #arquitectura y el #urbanismo: uno de sus grandes renovadores.
Además, y en mi opinión, era un excelente pintor y un notable escultor.
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La #arquitectura moderna llegó con él, en el 1er tercio del s. XX, junto con F. Lloyd #Wright, O. #Niemeyer, Walter #Gropius, A. #Aalto, R. #Neutra, L. Mies #vanderRohe...
Fue un agitador de la cultura, un renovador, y sus polémicas trajeron mucha innovación.
Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño.
Un día la #arquitectura encontró al #arte y nació el #diseño: hablamos del matrimonio Charles y Ray #Eames, quizás los diseñadores estadounidenses más influyentes del s. XX.
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El arquitecto y diseñador Charles #Eames y su esposa y socia la artista, arquitecta y diseñadora Ray #Eames (Ray-Bernice Kaiser) fueron un matrimonio estadounidense de gigantes del diseño industrial, y algunas de sus creaciones son históricas.
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Lo primero: reivindicar la figura de la inmensa artista, arquitecta, diseñadora y cineasta Ray #Eames, la cual muchas veces es eliminada de la autoria de sus famosos diseños de la pareja.
Aunque la imagen pública del equipo fue Charles: la autoría siempre fue compartida.
Dentro el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño, para el #TwitterCultural, encontraremos pocos diseños tan excelentes como la aceitera #Marquina.
Este objeto iconico fue diseñado por el arquitecto español Rafael Marquina.
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Cuando Steve #Jobs dijo: " El diseño no sólo es apariencia, no sólo es lo que se ve y se siente: el diseño es cómo funciona", parecería que hablaba del diseñador español Rafael #Marquina.
Pocos como Marquina para crear diseños perfectamente tan bellos como funcionales.
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La aceitera #Marquina es uno de los grandes hitos del diseño, no sólo español, sino mundial, en donde se aporta una solución sencilla a un problema cotidiano.
Un objeto transparente, fácil de usar y fabricar, estable y preciso: la quintaesencia del buen diseño.
Sigue el ciclo temático #DiseñArte, dedicado a los objetos icónicos de la historia del diseño, para el #TwitterCultural.
No hay escritorio más icónico, quizás ni mueble, que el #Resolute: el escritorio del Presidente de los EEUU @POTUS.
Y tiene una historia flipante...⬇️
Este escritorio es icónico por lo simbólico: representa al Presidente de los EEUU. No es la silla, en plan trono: esto recordaria mucho a un monarca. Es un escritorio de trabajo, lo que nos lleva a la idea del gestor, del funcionario, del empresario, del banquero...
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Sin duda la Casa Blanca @WhiteHouse es uno de los centros de poder político del mundo. Dentro de ella es especialmente icónico el "despacho oval" y dentro de éste el escritorio #Resolute, que vienen a ser símbolo e imagen del poder del Presidente de los EEUU @POTUS
¿Qué está pensando este señor de la obra de arte que está mirando?
El hilo de #FinDeAño es sobre la obra "El experto / The connoisseur" (1961) de Norman #Rockwell, publicado en la Portada de "The Saturday Evening Post", (13/01/1962).
Una obra con mucha historia. Dentro hilo⬇️
En este tweet comparto la portada que comentaba.
Aunque #Rockwell fue un artista figurativo que nadaba contra corriente, pero estaba fascinado con el arte "moderno" (pensad en los años 50s y 60s) y del #ExpresionismoAbstracto, que triunfaba en el EEUU de aquella época.
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Para triunfar en el arte tras la 2ª Guerra Mundial en EEUU, y en Europa también, era (casi) obligatorio ser abstracto o estar en alguna vanguardia. Era lo "moderno".
Los artistas figurativos lo tenían complicado.
Uno de los artistas del momento era Jackson #Pollock.
Nuevo hilo del ciclo #RecuperArte sobre obras de #arte perdidas y recuperadas, para #TwitterCultural.
¿Os acordáis de aquel cuadro de temática cristiana de la cocina de vuestra abuela?
Pues resultó ser el cuadro medieval más caro de toda la historia: 24 M.€!
Vais a flipar⬇️
El «Cristo burlado» apareció el 2019 en la casa de una señora de unos 90 años, de Compiègne, pequeño municipio al norte de #París (#Francia). Es una de las poquísimas pinturas del maestro italiano #Cimabue, de finales del #Gótico, un ejemplo del #Prerrenacimiento.
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La anciana lo tenía en el pasillo entre la cocina y el comedor. Se mudó y sus familiares vendieron el inmueble, junto con los muebles y objetos.
Aquella pintura sobre madera con aspecto de icono ortodoxo, parecía tener cierto valor, aunque sólo fuera por antigua.