Un artista desconocido, con su arte, salvó la mayor estatua hecha de oro macizo: El "#Buda de oro" del templo #WatTraimit, #Bangkok, #Tailandia.
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El oro es valiosísimo y se funde fácilmente, así que muchas obras hechas de oro no nos han llegado: los conflictos bélicos, los saqueadores, las dificultades económicas de reyes y mandatarios han llevado a muchas grandes obras al fundidor para hacer lingotes o monedas.
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Así si nos llega una estatua que pesa 5.500 kg en oro puro macizo, en un lugar donde han sucedido muchos conflictos desde la antigüedad como #Tailandia, uno piensa: ¿Cómo va a ser? Imposible!
Pero aquí llega el arte y algo (mucho) de suerte al rescate del #Buda de oro.
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El #Buda de oro de #WatTraimit mide 3 m. de alto y pesa 5,5 toneladas de oro puro.
La #iconografía del #budismo es muy rica, y sus estilos y escuelas: en este caso la estatua es de estilo de #Sukhothai (1238-1370) pero podría ser posterior (y no más tarde del s. XVI).
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Dos cosas a reseñar: la cabeza de la estatua lleva el #ushnisha, que es una especie de huevo, óvalo a veces representado como moño, otras como llama ardiente o como especie de tocado/corona o turbante. Representa la sabiduría y conocimiento superior, la mente liberada.
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Es uno de los signos exteriores demostrativos de ser #buda.
Hay multitud de formas de #Ushnisha, y si lo encontramos como tocado o corona suelto (separado de la cabeza de buda y para ser usado) suele ser de oro o metal dorado.
Os dejo varios ejemplos:
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La cabeza del #Buda de oro está coronada con una llama sobre el #ushnisha que representa el resplandor de la energía espiritual, y esto fue una innovación de la escuela #Sukhothai. En los anteriores ejemplos podemos ver ideas parecidas, pero la original está aquí:
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Tal éxito tuvo la idea que en #Tailandia la cabeza de Buda siempre se corona con una llama.
Otros elementos simbólicos del budismo, que vemos en la cabeza de la estatua del #buda de oro:
- Nariz aguileña.
- Nacimiento del pelo en forma de V.
- 3 pliegues en el cuello.
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Esos atributos señalan que #Buda (Siddhārtha Gautama) era un príncipe. También las orejas alargadas y con grandes hendiduras: al ser príncipe y cargar pesados pendientes, las orejas se deforman.
Le quedaron como símbolo de su renuncia, su viaje vital y su pasado.
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Pero bueno, otro día (si tenéis interés) hablo de iconografía budista.
Pero entonces, ¿Cómo fue que el arte salvó la estatua de ser fundida, como ha pasado a otras tantas veces?
Pues la cosa es que en los años 1700 los birmanos amenazaban con invadir #Tailandia.
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"Indochina" siempre albergó conflictos: de los reinos que allí existieron en el pasado, y por su posición geográfica estratégica, siempre atractiva para potencias como China, Japón y países europeos (Francia).
La cosa es que, en algún momento, el buda estuvo en peligro.
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Hubo una guerra entre #Birmania (hoy #Myanmar) y #Siam (hoy #Tailandia) de 1765-1767, que aunque ganaron los birmanos, tuvieron que recular para defenderse, ya que los chinos aprovecharon el momento de distracción para invadir Birmania, y la cosa quedó como estaba.
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Así que un artista o grupo de artistas pensaron que si los birmanos llegaban, como sucedió, y encontraban el buda de oro, lo fundirían en lingotes.
¿Cómo lo protegieron? Con estuco dorado, sí señor, lo cual le dio una apariencia de buda de yeso.
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Existen miles de estatuas de Buda hechas de arcilla, cubiertas con yeso y decoradas con pintura dorada, #PanDeOro o cualquier solución de dorado accesible y barata.
Nadie destruiría una estatua de #Buda de manera gratuita, pero sí para fundirla como botín de guerra.
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Y se olvidó.
Así, "maquillada" como una estatua "corriente" de arcilla, yeso y dorada de manera "habitual", pasó desapercibida, y fue trasladada a un templo de "segunda".
Como era poco atractiva, más tarde se trasladó a otro lugar menos importante, pero pesaba mucho...
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Pesaba mucho: era de oro macizo!!! Pero ya nadie se acordaba, se dio por perdida en la guerra y los artistas que la ocultaron o murieron o nunca lo dijeron. Así que nadie lo sabia.
Tanto pesaba que al trasladarla se rompió la grúa y quedó tirada... ¡en la calle!.
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Así fue, en el traslado a la pagoda de #WatTraimit, en 1935, se quedó en la calle, también porque no tenían sitio.
Alguien se apiadó de esta estatua y le puso un techito de chapa ondulada y así, bajo un chamizo estuvo durante 20 años, hasta 1955.
Ya 200 años escondida!
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En 1954-55 se construyó una ampliación en el templo para ubicarla, pero al volver a levantarla las cuerdas se rompieron, y hubo una inmensa tormenta: Mal augurio para una imagen budista!
Pasada la tormenta una parte del estuco se había roto y dejaba ver: el oro macizo!
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Se retiró el yeso con cuidado (la cobertura de yeso se exhibe en el templo) y se encontró la estatua de oro, que se divide en nueve partes que encajan perfectamente e, incluso, la herramienta en forma de llave que permite montarla y desmontarla (para su transporte)
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Además, la estatua "salió" del anonimato y mostró su naturaleza muy cerca del 2.500 aniversario de la muerte de Siddharta Gautama #Buda Shakyamuni, por lo que muchos pensaron de que se trataba de una señal, o quizás de un milagro.
El templo ahora recibe muchas visitas.
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El aspecto y la iconografía en la representación de Buda es amplísima y desborda el objetivo de este hilo. Os dejo ejemplos de diversos países: desde la India e Indochina hasta Japón.
Hay elementos comunes, similares en su diversidad, pero en todos lo reconoceréis.
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En #Tailandia, este #Buda es ejemplo de su "canon": todo dorado, símbolo de la abundancia, de jerarquía, de riqueza, pero de riqueza espiritual, y de la luz del "despierto".
Así fue como un artista camufló una estatua de 5.500 kg de oro para que no la robaran.
Pronto más hilos!
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El #PanDeOro fue recuperado y renovado para el arte moderno en los s. XIX-XX por gentes como el genial Gustav #Klimt, su principal valedor.
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¿Os suena, verdad? Es el "Retrato de Adele Bloch-Bauer I" (ponemos I porque hay un II) más conocida como "La dama de oro", obra cumbre de la "época dorada" pintada por Gustav #Klimt entre 1903 y 1907, puro #Modernismo y #ArtNouveau, y cargada de #Simbolismo.
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El señor de la foto es el genio del arte Gustav #Klimt, y su padre era orfebre y joyero, detalle fundamental, junto con otros que os contaré a continuación, de cómo y porqué desarrolla el oro como pigmento y material artístico y lo convierte en parte de su estilo.
Sólo el #PanDeOro podía ser usado por #FraAngelico en el rayo de luz que desde el Cielo ilumina el regazo de la Virgen.
Ven y te cuento más detalles...
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Ésta es la "Anunciación" de @FraAngelico, uno de las obras más famosas y visitadas del @museodelprado, y que luce maravillosa desde su reciente restauración.
En ella el autor usa #PanDeOro en varios lugares y detalles, para conseguir una luminosidad "divina" y sin igual.
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"La Anunciación" de #FraAngelico no sufría daños importantes aunque tenía más trabajo del que parecía: suciedad, tablas mal ensambladas, algunos repintes y la pérdida del oro original de las alas del ángel. Su restauración duró 1 año, y fue dirigida por Almudena Sánchez.
El amor por el #oro y sus colores (que lo sustituyen o imitan) trasciende culturas y geografías. Hoy viajaremos al lejano oriente con el "lacado de oro".
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En el anterior hilo hablé de la relación del oro con la divinidad y la realeza. Pare ello puse como ejemplo el Antiguo Egipto, donde posiblemente, en lo referente a nuestra geografía se consolidó esta relación y se extendió al Egeo y Oriente.
El #Lacado es una técnica artística-decorativa con múltiples variantes y más de 7000 años de antigüedad, nacida en oriente, que usa la savia del "árbol de la laca" disuelta en alcohol (u otro disolvente) para dar color y un terminado brillante, ya que se puede pulir.
Se acerca el final del ciclo #ReflejArte para el #TwitterCultural, con obras basadas en los efectos de luz en el agua.
El agua puede servir de #espejo, como capta maravillosamente #Caravaggio en su versión del mito de "#Narciso", el joven enamorado de su reflejo.
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#Caravaggio, en su estilo #barroco, capta a un joven apuesto y bello, probablemente un modelo de los que "alquilaba" en las escaleras de la Plaza de #España de #Roma, contemplándose en el agua oscura, con reflejos trémulos, enamorado de sí mismo, de su fantasma borroso.
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Es la última obra de su 2ª etapa, pintada entre 1597-1599, de composición muy sencilla, un encuadre casi de instantánea fotográfica, con la figura casi a tamaño real, casi saliéndose del lienzo: un recurso típico de #Caravaggio que busca crear cercanía con el espectador.
Se acerca el final del ciclo #ReflejArte para el #TwitterCultural, con obras basadas en los efectos de luz en el agua.
Hablemos de los efectos de las luces artificiales y cómo este tema obsesionó a Vincent #VanGogh, por ejemplo en su "Noche estrellada sobre el Ródano".
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Van Gogh escribía muchas cartas: así se mantenía ocupado, se sentía menos solo y se comunicaba con su gente, especialmente con su hermano Theo.
Cuando llegó a Arles en 1888, su preocupación principal fue captar los "efectos nocturnos", las luces en la noche.
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La carta anterior se la escribió a Eugène Boch, explicándole sus obsesiones artísticas en ese momento, sobre los colores de la noche y los efectos de las luces en ella: luna, estrellas y las modernas lámparas artificiales (farolas, etc).
Seguimos el ciclo temático #ReflejArte para el #TwitterCultural, con obras basadas en los efectos de luz en el agua.
Con esta obra de Emil #Nolde vamos a reflexionar sobre ¿de qué color es el mar?
Pintarlo es decidirlo... sobre todo si el color es lenguaje y expresión!
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Emil #Nolde fue un autor muy especial, uno de esos que hacen evolucionar el arte. Vivió muchos años cerca del mar Báltico y viajó por Rusia, Siberia, Manchuria y las islas del Pacífico Sur.
Pintó personas pero sus paisajes y, sobre todo, sus mares son maravillosos.
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Sus paisajes marinos están pintados con un potente colorido, una gran intensidad que nos comunica la fuerte tensión de la naturaleza, pintado con inmenso vigor.
Los paisajes impresionistas palidecen ante la fuerza del color, que se convierte en materia pictórica.