Sigue el ciclo dedicado al movimiento #ArtsAndCrafts. El artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones (1833-1898) fue una gran figura de la Hermandad #Prerrafaelita y del #ArtsAndCrafts. Produjo todo tipo de obras magníficas en toda clase de artesanías y medios.
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#Burne_Jones fue hijo de artesano, un dorador tallista. Quiso ser religioso y estudió teología en Oxford, pero en la universidad conoció a #Morris (cómo no!), el cual lo convenció para que se dedicase al arte y al diseño, para lo cual siempre tuvo un inmenso talento.
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En 1855 entró en el taller de #Rossetti, lo cual marcó su estilo, pero influido por sus viajes por Italia hizo que evolucionará hacia el estilo que le haría famoso. Se involucró, junto a Morris, en el renacimiento de las artesanías, especialmente de las vidrieras.
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Como ejemplo de la increíble maestría alcanzada por él mismo y los artesanos de su equipo, observad este magnífico #JuicioFinal, o esta otra vidriera de Enoch, de la cual tenemos hasta el diseño original de #Burne_Jones.
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No hablaré mucho de su pintura, que lo dejamos para otro momento, pero diré que su pintura de base mitológica, alegórica y literario/legendario fue la bomba en su momento, rompedora, revolucionaria y tuvo gran éxito: semilla y alma de los prerrafaelitas.
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Gran amigo de #Morris, investigó las posibilidades artísticas de la artesanía, desde la joyería y los tapices, a los muebles y la cerámica, de la arquitectura interior al papel pintado, de las ilustraciones de libros a escenografías de teatro.
Veamos hoy las joyas.
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Esta joya es un broche en forma de una paloma con una rama de olivo. Es la primera de las tres copias existentes, la única que #Burne_Jones hizo en persona, auxiliado por los joyeros italianos, establecidos en Inglaterra, Carlo y Arthur #Giuliano, en 1895, una maravilla!
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Es un trabajo muy fino, en oro y platino, con los materiales que repetirá incluso en sus cuadros, como el coral, turquesa, la perla, el rubí y un material que elevó al lujo y el arte, no sólo él sino por todo el movimiento #ArtsAndCrafts: el esmalte!
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El esmalte! En la pieza anterior sólo hay unas laminotas casi transparentes de esmalte, pero es una técnica que permite crear imágenes pintadas de gran belleza, preciosistas, y conservarlas en un material bastante resistente, creando joyas como ésta, también diseño suyo.
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Antes de conseguir el broche de la paloma hizo varios diseños y dibujos,que se conservan. Y probablemente se hicieron varias pruebas y maquetas a tamaño natural por parte del equipo de joyeros, que no se conservan.
Pero el resultado sí y es extraordinario!
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#Burne_Jones hizo varios diseños de joyas, y participó en otros muchos, normalmente en el equipo de #Morris, donde no era el diseñador principal pero sí el pintor de la miniatura esmaltada que decoraba la joya, como en este guardapelo.
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El esmalte en joyería es la fusión del vidrio en polvo, sobre metal. Hay varias técnicas para aplicar el vidrio molido sobre el diseño trazado, pero todos usan el calor para fundir este polvo y obtener ese acabado vitrificado y resistente del esmaltado desde muy antiguo.
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Desde antiguo es desde muy antiguo: el ejemplo anterior es del arte antiguo japonés pero hay ejemplos del 1500 aC en el #ArteAntiguoEgipto, como ya vimos en su ciclo de hace apenas un par de meses, de una calidad excepcional.
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El artista/esmaltador "pinta" la superficie de la joya con vidrio molido sobre un dibujo o un diseño. De las más bellas técnicas de esmaltado son: cloisonné, guilloché, plique-à-jour, champlevé...
En la época victoriana el guilloché era muy común, como en este reloj.
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El #Guilloché es una técnica sobre una superficie grabada: el color se queda en los espacios pero se acumula en las líneas grabadas, creándose un realce y una profundidad. Luego todo se cubría con un esmalte transparente.
Pero sólo vamos a hablar de joyas y vidrieras? Pues no, así que mañana hablaremos de otras vertientes artísticas del inmenso artista #Burne_Jones, dentro del mundo #ArtsAndCrafts.
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Veamos hoy más de las obras que hicieron el gran artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones, alma y semilla de la Hermandad #Prerrafaelita, con #Morris y sus artesanos del #ArtsAndCrafts.
Recordáis este mueble?
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Esta primera obra maestra del movimiento #ArtsAndCrafts es el ejemplo del esfuerzo colaborativo de William #Morris y su círculo para mejorar los estándares de diseño y regresar a los principios de la producción medieval, con artistas creando objetos bellos y funcionales.
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Este gabinete es uno de los varios en los que #Morris contó con la participación del gran artista #prerrafaelita Sir Edward #Burne_Jones, y es el mejor ejemplo de cómo el movimiento #ArtsAndCrafts intentó borrar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas.
Hay diversas maneras de buscar la armonía a través del contraste de colores en el arte. Hemos visto algunos, y hoy veremos más a través de la obra del gran Henri #Matisse.
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¿Se puede conseguir armonía con un sólo color? Por supuesto, es lo más fácil. Vamos haciendo variaciones, aclarándolo, oscureciéndolo, mezclándolo y, para que no quede "soso", introducimos alguna pincelada mínima de otro color, como en esta "Vista de París" de #Matisse.
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¿Existe este esquema monocromático en la realidad? Claro, y funciona perfectamente. Aclarar, oscurecer, mezclar, incluso neutralizándolo hacia los grises, pero sin salirse del tono. El resultado es bueno, y mejora si le damos una pequeña pincelada en otro tono.
Hablemos un poco más de los colores análogos y complementarios en el arte, dos maneras de buscar la armonía y el contraste en el arte, con ejemplos de #Cézanne y de #Bronzino.
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El primer ejemplo es "El estanque", una obra maestra de #Cézanne, pintado entre 1877-79, comprado por el pintor del #impresionismo, pero también rico heredero y coleccionista, #Caillebotte. Está pintado a su estilo, no todavía formado, en una gama de análogos del verde.
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#Cézanne ya había avanzado mucho en el estilo que le haría famoso y "padre" de la pintura moderna: sólido, facetado, construido,..., usó tres tipos de verdes en su paleta: viridiana, esmeralda y tierra verde, y hace una transición de análogos desde el azul al anaranjado.
Hablemos un poco de los colores análogos y los colores complementarios, dos maneras de buscar la armonía y el contraste en el arte .
Y luego hablaremos de una famosa obra maestra.
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Recordamos la famosa rueda de colores, verdad? Pero, cuál de ellas? Porque el último día vimos varias...
Los pares complementarios son los opuestos en la rueda del color. Se complementan perfectamente, y se anulan dando un color gris neutro.
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El complementario del verde es, a grandes rasgos, el rojo. ¿Pero cuál? Pues depende del verde y de la rueda usada, pero como ya os dije que en Bellas Artes usaremos el sistema tradicional. El #VerdeViridiana es un verde azulado, así que se complementa con un bermellón.
@Javierbaladron, compañero del #TwitterCultural, me invita a que os hable de Othon #Friesz siguiendo el hashtag de #inundarlasredesdearte.
Y la elección no es casual porque (Achille-Émile) Othon Friesz (1879 - 1949) se trata de un fauvista francés.
Othon #Friesz era de familia de marinos mercantes, y mientras estudiaba Bellas Artes en su ciudad, conoció al que sería su mejor amigo, el inmenso Raoul #Dufy. De allí marcharon a París donde conocerán a #Matisse, entre otros y se afilió al #Fauvismo.
Pero hablaremos del #verde, de su historia, de sus pigmentos...
Por ejemplo, ¿en qué se parecen las películas "Vértigo", "Amelie", "Lalaland" y la serie "Ratched"? Muchos verdes.
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El #verde tiene muchos significados: calma, pureza, intensidad, naturaleza, vida, salud, fertilidad, juventud (por eso "Lalaland" y "Amelie")... Es el color del miedo, del horror (por se usó en "Vértigo" y "Ratched"), también de la esperanza, de la envidia...
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Y del veneno! Por extensión de cualquier cosa radiactiva o potencialmente extraña y peligrosa, como los extraterrestres... ¿es por qué las serpientes son verdes?