Ya sé cómo os gustan los hilos técnicos, así que hoy hablaremos un poco de los colores al óleo (válido para acuarela u otro medio) y cómo mezclarlos para conseguir verdes!
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Supongo que en la primaria / la secundaria os dijeron que los colores primarios son el magenta, el cian i el amarillo limón. Pues bueno, quizás en la teoria sí es así, y doy por hecho que os enseñaron la teoria de las mezclas con un diagrama similar a éste que comparto:
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Se trata del modelo CMYK (siglas de Cyan, Magenta, Yellow y Key), un modelo sustractivo muy usado en la impresión de imágenes, una versión más moderna y precisa para estos fines que otros modelos de color.
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Incluso puede que hayas oído sobre un sistema de colores RGB, acrónimo (Red-Green-Blue) de los colores que se crean en una pantalla de ordenador por ejemplo, usando luz, un sistema aditivo y no sustractivo.
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Sin embargo, en bellas artes ya sabemos que la teoría no siempre se puede llevara a la práctica y que el mejor esquema de colores primarios a partir de los cuales mezclar se basa en el rojo (no magenta) + amarillo + azul (no cian). Una idea simple, no? Pues no tanto...
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La idea, en principio es simple: con tres colores primarios vamos sumandolos, en diferentes proporciones, y conseguimos todos los demás. Así aparecen los colores secundarios (verde, violeta y naranja) y los terciarios. Algo, más o menos, como el siguiente diagrama:
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Si de la primera teoria (MYBK) hacemos las mezclas de secundarios y terciarios sale una rueda de colores que os sonará porque sale tambien en los libros de primaria/secundaria, pero que no se usa en la pintura artística, aunque ayuda a entender el asunto de las mezclas.
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Pero en la vida real, cuando un pintor pinta, usa pigmentos de un tubo o una pastilla. Pero no todos los rojos, ni todos los verdes son iguales, verdad? Así que la realidad es que hay que pensar en los colores que se venden y construir nuestra paleta y mezclas.
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Pero esta rueda de colores sí que tiene los pies en el suelo de la pintura al oleo, algo real y usable.
No podemos usar el magenta, pero podemos ir y comprar un tubo de alizarina crimson, o de laca de garanza, o rojo cadmio o el color que más nos guste de los similares.
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Lo mismo con el verde: iremos a la tienda y compraremos el verde viridiana, o el esmeralda, o el verde ftalo o el que más nos guste, pero siempre cerca de este tipo de verde. ¿y por qué? Porque es el que mejor resultado nos dará con las mezclas, así de simple.
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Si queremos crear verdes, y no contamos con el viridiana pues no conseguiremos todo el espectro de colores, pero aún así podrias conseguir unos buenos resultados. Necesitaremos azul y amarillo, blanco para aclarar y negro para oscurecer (no es lo ideal pero bueno).
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Si mezclamos a partes iguales amarillo y azul sacamos un verde medio. Añadiendo más amarillo o más azul saldrá un verde amarillento (algo así como un verde manzana) o un verde azulado (tenderá al turquesa) y si lo aclaramos con blanco tiende al verde agua.
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Así pues, si del verde conseguido le vamos poniendo más o menos blanco o más o menos amarillo, vamos consiguiendo tonalidades de verde claro: con el blanco resultará un verde frío y con el amarillo (cadmio o limón, por ejemplo) resultará cálido.
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Si queremos oscurecerlo le podríamos añadir una mínima cantidad de negro al verde. Pero es muy efectivo oscurecerlo evitando el negro: para ello añadimos un azul y su rojizo complementario, y el resultado es un verde oscuro más interesante y vivo.
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De nuevo y partiendo del verde, por una parte le añadimos azul ultramar, sombra tostada y/o negro conseguimos un verde oscuro y frío, mientras que si a esa misma mezcla le sustraemos el negro y le añadimos un punto de amarillo cadmio el verde oscuro será cálido.
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Se podría trabajar sin verdes en la paleta? Sí, pero casi nadie lo hace: casi siempre hay un verde, porque es difícil conseguir algunos verdes sin verdes, son muy mezclables y porque combinan muy bien con sus complementarios rojizos y tierras.
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El verde que aparece en casi todas las paletas es el Viridiana (de tendencia azulada) que se complementa muy bien con su complementario Alizarine Crimson, y le resta su tendencia al violeta. Se puede sustituir por verde esmeralda, verde ftalo o por verde cinabrio.
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Mezclando amarillo cadmio y azul ftalo conseguimos un verde que tiende al amarillo, Sap Green aunque es muy conocido como verde vejiga, que es muy versatil, mezclable y logra grandes resultados, así que hay quien lo mete en su paleta.
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Muchos verdes, verdad? Hay que elegir: viridiana siempre, aunque podría sustituirse por esmeralda. Un segundo verde? Vejiga es una gran opción, pero cinabrio oscuro también puede ser muy útil.
Probadlos, pero os recomiendo que 2 verdes máximo en la paleta!
Mañana más verdes!
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Se levanta el telón y se ve... No, mejor bajamos el telón, en concreto el telón de cristal del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de #México, obra maestra de Louis Comfort #Tiffany que os explicaré a continuación:
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El Palacio de Bellas Artes es un espacio cultural en la Ciudad de #México, construido en estilos #ArtNouveau y #ArtDeco. #Tiffany recibió el encargo de crear esta cortina de vidrio, única en el mundo, para que fuese el telón de un gran teatro.
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La imagen que aparece es un paisaje dominado por los volcanes nevados Ixtaccihuatl y Popocatépetl, visibles desde muchas partes de la Ciudad de #México, donde #Tiffany demuestra su gran interés en la naturaleza, la tecnología y el uso de nuevos materiales.
Hemos visto ya al artista Louis Comfort #Tiffany, como joyero, como diseñador de muebles, como pintor... Veamos un poco de sus vidrieras, con un ejemplo famoso: las 4 estaciones.
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Se exhibió como una sola vidriera en la Exposición Universal de 1900 en París, The Four Seasons es un ejemplo perfecto de la técnica favorita de #Tiffany. Se ordenaban de arriba a abajo y de izquierda a derecha. Veamos la primavera, en la parte superior izquierda:
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La idea es sencilla y se ha repetido: las cuatro estaciones como símbolo del proceso/estructura del nacimiento, madurez y muerte de toda existencia.
Repetido? Un momento, por quien? Pues en este caso Tiffany se inspira en la del artista del #artnouveau Alphonse #Mucha.
Tras recorrer el Museo "Victoria y Alberto" en Londres,... ¿vamos a comer algo en la primera cafetería que hubo en un museo?
Venga, vamos y de paso vemos algo de su arquitectura y decoración, que os va a sonar...
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El director fundador del museo, Henry #Cole, creó unas exposiciones con lo mejor en artes y ciencias del momento, pero quedaba un poco lejos, así que para atraer a los visitantes les anunció que disfrutarían de una primicia mundial: un restaurante dentro del museo.
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Al entrar al Museo desde el jardín, el público no entraba a las galerías con exposiciones, sino por tres arcos con puertas de vidrio que conducían a un trío de salas de refrigerios, una manera de motivar a los visitantes y cubrir sus necesidades (hambre y sed).
Pues como os dije el otro día, el Musée d'#Orsay tiene, entre sus muchas obras maestras, entre sus #Monet, sus #Manet y sus #VanGogh, expone esta silla de la serie "Sussex" de la firma Morris&Co.
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Y ¿por qué? Porque está silla es " la silla", el concepto de la silla, el estilo moderno saliendo adelante desde la época victoriana.
En la firma #Morris&Co siempre hubo artistas y arquitectos, así un muchos diseños y objetos nacieron desde un concepto arquitectónico.
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El regreso a los valores artesanales y una concepción arquitectónica de la decoración moderna revoluciona la arquitectura de interiores, creando coordinadamente los elementos de decoración y de mobiliario, textiles, todo: el proyecto arquitecto como una "obra total".
Veamos hoy más de las obras que hicieron el gran artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones, alma y semilla de la Hermandad #Prerrafaelita, con #Morris y sus artesanos del #ArtsAndCrafts.
Recordáis este mueble?
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Esta primera obra maestra del movimiento #ArtsAndCrafts es el ejemplo del esfuerzo colaborativo de William #Morris y su círculo para mejorar los estándares de diseño y regresar a los principios de la producción medieval, con artistas creando objetos bellos y funcionales.
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Este gabinete es uno de los varios en los que #Morris contó con la participación del gran artista #prerrafaelita Sir Edward #Burne_Jones, y es el mejor ejemplo de cómo el movimiento #ArtsAndCrafts intentó borrar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas.
Sigue el ciclo dedicado al movimiento #ArtsAndCrafts. El artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones (1833-1898) fue una gran figura de la Hermandad #Prerrafaelita y del #ArtsAndCrafts. Produjo todo tipo de obras magníficas en toda clase de artesanías y medios.
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#Burne_Jones fue hijo de artesano, un dorador tallista. Quiso ser religioso y estudió teología en Oxford, pero en la universidad conoció a #Morris (cómo no!), el cual lo convenció para que se dedicase al arte y al diseño, para lo cual siempre tuvo un inmenso talento.
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En 1855 entró en el taller de #Rossetti, lo cual marcó su estilo, pero influido por sus viajes por Italia hizo que evolucionará hacia el estilo que le haría famoso. Se involucró, junto a Morris, en el renacimiento de las artesanías, especialmente de las vidrieras.