Pues como os dije el otro día, el Musée d'#Orsay tiene, entre sus muchas obras maestras, entre sus #Monet, sus #Manet y sus #VanGogh, expone esta silla de la serie "Sussex" de la firma Morris&Co.
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Y ¿por qué? Porque está silla es " la silla", el concepto de la silla, el estilo moderno saliendo adelante desde la época victoriana.
En la firma #Morris&Co siempre hubo artistas y arquitectos, así un muchos diseños y objetos nacieron desde un concepto arquitectónico.
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El regreso a los valores artesanales y una concepción arquitectónica de la decoración moderna revoluciona la arquitectura de interiores, creando coordinadamente los elementos de decoración y de mobiliario, textiles, todo: el proyecto arquitecto como una "obra total".
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Muchos de los diseños de #ArtsAndCrafts sólo los podían comprar los ricos: es lo que tiene crear las piezas una a una por grandes artistas.
Todo cambia con la gama de las Sussex Chairs: modelos de calidad, rústicos y ligeros, con asiento de paja, prácticas y bellas.
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Es el punto en que el diseño se revolucionó: objetos creados y diseñados por artistas y arquitectos, pensadas para ser útiles y bellas.
Observad estas dos sillas: una fue pintada por el #prerrafaelita Dante #Rossetti, y la otra es una Sussex chair que lleva su nombre.
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La silla pintada por #Rossetti es una obra maravillosa, pero tiene un problema: o es una obra única o ha de hacer que otros artistas repitan su diseño, lo copien y generen más sillas.
Las Sussex chairs son otra cosa: se diseñaron para ser repetidas, fabricadas en serie.
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No fue la única estrategia de #Morris&Co por acercar el arte y el diseño a las clases medias: los papeles pintados fueron otra, probablemente la más rentable y famosa: con diseños elaborados y gran calidad en la impresión y el papel, llegaron a todos los rincones.
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Comparemos estas dos piezas: una es un banco único, maravilloso, de madera de nogal decorada con pintura al óleo por John Henry Dearle en 1880, y la otra es una mesa auxiliar, exquisita, realizada por Charles F.A. Voysey en 1903, en madera de roble.
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El banco es una pieza única, lejos de la mecanización y producción en masa de las fábricas de la época. Es una pieza muy cara, porque aunque es de líneas simples y decoración vegetal sencilla, lleva mucho trabajo de taller y los mejores materiales.
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La mesa es muy simple, pero resume todas las ideas de #ArtsAndCrafts: es útil, bella, cotidiana, decorativa, artesana y de gran calidad pero accesible para las clases medias. Un diseño refinado, arquitectónico, como una araña con sus patas arriba y abajo.
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Así es como una silla simple llega a los museos: revolucionando las bases del diseño, acercando la belleza y la utilidad al mundo. Una silla que crearon escuela y estilo en su momento y un movimiento, el #ArtsAndCrafts, que abrió las puertas al diseño moderno, a los diseñadores!
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Tras recorrer el Museo "Victoria y Alberto" en Londres,... ¿vamos a comer algo en la primera cafetería que hubo en un museo?
Venga, vamos y de paso vemos algo de su arquitectura y decoración, que os va a sonar...
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El director fundador del museo, Henry #Cole, creó unas exposiciones con lo mejor en artes y ciencias del momento, pero quedaba un poco lejos, así que para atraer a los visitantes les anunció que disfrutarían de una primicia mundial: un restaurante dentro del museo.
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Al entrar al Museo desde el jardín, el público no entraba a las galerías con exposiciones, sino por tres arcos con puertas de vidrio que conducían a un trío de salas de refrigerios, una manera de motivar a los visitantes y cubrir sus necesidades (hambre y sed).
Veamos hoy más de las obras que hicieron el gran artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones, alma y semilla de la Hermandad #Prerrafaelita, con #Morris y sus artesanos del #ArtsAndCrafts.
Recordáis este mueble?
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Esta primera obra maestra del movimiento #ArtsAndCrafts es el ejemplo del esfuerzo colaborativo de William #Morris y su círculo para mejorar los estándares de diseño y regresar a los principios de la producción medieval, con artistas creando objetos bellos y funcionales.
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Este gabinete es uno de los varios en los que #Morris contó con la participación del gran artista #prerrafaelita Sir Edward #Burne_Jones, y es el mejor ejemplo de cómo el movimiento #ArtsAndCrafts intentó borrar la distinción entre las bellas artes y las artes aplicadas.
Sigue el ciclo dedicado al movimiento #ArtsAndCrafts. El artista y diseñador Edward Coley #Burne_Jones (1833-1898) fue una gran figura de la Hermandad #Prerrafaelita y del #ArtsAndCrafts. Produjo todo tipo de obras magníficas en toda clase de artesanías y medios.
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#Burne_Jones fue hijo de artesano, un dorador tallista. Quiso ser religioso y estudió teología en Oxford, pero en la universidad conoció a #Morris (cómo no!), el cual lo convenció para que se dedicase al arte y al diseño, para lo cual siempre tuvo un inmenso talento.
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En 1855 entró en el taller de #Rossetti, lo cual marcó su estilo, pero influido por sus viajes por Italia hizo que evolucionará hacia el estilo que le haría famoso. Se involucró, junto a Morris, en el renacimiento de las artesanías, especialmente de las vidrieras.
Hay diversas maneras de buscar la armonía a través del contraste de colores en el arte. Hemos visto algunos, y hoy veremos más a través de la obra del gran Henri #Matisse.
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¿Se puede conseguir armonía con un sólo color? Por supuesto, es lo más fácil. Vamos haciendo variaciones, aclarándolo, oscureciéndolo, mezclándolo y, para que no quede "soso", introducimos alguna pincelada mínima de otro color, como en esta "Vista de París" de #Matisse.
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¿Existe este esquema monocromático en la realidad? Claro, y funciona perfectamente. Aclarar, oscurecer, mezclar, incluso neutralizándolo hacia los grises, pero sin salirse del tono. El resultado es bueno, y mejora si le damos una pequeña pincelada en otro tono.
Hablemos un poco más de los colores análogos y complementarios en el arte, dos maneras de buscar la armonía y el contraste en el arte, con ejemplos de #Cézanne y de #Bronzino.
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El primer ejemplo es "El estanque", una obra maestra de #Cézanne, pintado entre 1877-79, comprado por el pintor del #impresionismo, pero también rico heredero y coleccionista, #Caillebotte. Está pintado a su estilo, no todavía formado, en una gama de análogos del verde.
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#Cézanne ya había avanzado mucho en el estilo que le haría famoso y "padre" de la pintura moderna: sólido, facetado, construido,..., usó tres tipos de verdes en su paleta: viridiana, esmeralda y tierra verde, y hace una transición de análogos desde el azul al anaranjado.
Hablemos un poco de los colores análogos y los colores complementarios, dos maneras de buscar la armonía y el contraste en el arte .
Y luego hablaremos de una famosa obra maestra.
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Recordamos la famosa rueda de colores, verdad? Pero, cuál de ellas? Porque el último día vimos varias...
Los pares complementarios son los opuestos en la rueda del color. Se complementan perfectamente, y se anulan dando un color gris neutro.
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El complementario del verde es, a grandes rasgos, el rojo. ¿Pero cuál? Pues depende del verde y de la rueda usada, pero como ya os dije que en Bellas Artes usaremos el sistema tradicional. El #VerdeViridiana es un verde azulado, así que se complementa con un bermellón.