Estos dos paneles, que contraponen el sacrificio de #Cristo por la salvación de la humanidad y el #JuicioFinal, son obras de Jan #VanEyck, quizás el pintor europeo más famoso del siglo XV.
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Este díptico no siempre lo fue: estas dos tablas formaban parte de un políptico perdido o destruido en un robo en el siglo XIX.
Las dos pinturas eran, originalmente, óleo sobre tabla, pero se traspasaron a lienzo en algún momento, perdiendo algunas cosas por el camino.
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Este díptico, cuyas tablas fueron pintadas por Van Eyck sobre el 1430, es todo un microcosmos un tanto inquietante y, a ratos, delirante, debe ser observada con lente de aumento, porque descubriremos cientos de detalles y pequeñas figuras.
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Como estamos con el #ApocalipsisArt, me centraré en la tabla del #JuicioFinal, sin dejar de señalar que la crucifixión es magnífica.
Lo primero decir que está obra está dividida horizontalmente en 3 zonas: arriba el cielo, al medio la tierra y abajo el infierno.
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Cada uno de los niveles tiene su "personaje principal" que remarca esta particular Trinidad apocalíptica: #Cristo en trono en el cielo, #SanMiguelArcangel en la tierra y la Muerte en el infierno.
Ríete tú de #ElBosco o de #Brueghel porque lo más "gore" está llegando.
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#VanEyck, junto a algunos otros, fueron unos revolucionaros que aportaron mucho realismo y naturalismo a la pintura, haciéndola evolucionar desde el #gótico hacia el #Renacimiento. Y lo hizo desde la complejidad y la técnica más perfecta y exquisita en los detalles.
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Si ponemos las dos tablas juntas vemos que hay una correlación: arriba Cristo crucificado y resucitado como juez, al centro la multitud que lucha, y abajo los infiernos, el sentimental de la madre que ha perdido a su hijo y el infierno de los condenados.
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Sin entrar al detalle, os diré que las crucifixiones se suelen pintar en horizontal y no en vertical, porque el formato apaisado le va mejor al tema. Pero #VanEyck consigue, con algunas innovaciones, incorporarlos a la verticalidad.
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Pero volvamos al #JuicioFinal y sus tres zonas. ¿O son dos y el Arcángel es la verdadera separación entre el cielo y el infierno?
Arriba, en el cielo, Cristo en majestad adorado por la Virgen, Santos, religiosos y laicos, escena que se suele llamar "Déesis".
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Por supuesto hay referencias al #Apocalipsis de San Juan: Dios en su trono, los ancianos vestidos de blanco, los Ángeles, las trompetas...
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Al centro un inmenso #SanMiguelArcangel, general de los ejércitos celestiales, que lucha contra ¿la muerte o contra los condenados? Y qué divide la tierra en dos: la zona seca y la zona humeda (el mar) desde donde salen los muertos de sus tumbas o de entre las olas.
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El personaje de la Muerte hace de cúpula y muro entre la tierra y los condenados, que en el infierno son torturados, masticados y comidos por demonios zoomorfos (algunos parecen ratas, otros osos, perros...), mónstruos de toda clase y llenos de colmillos.
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Todos conocéis la gran variedad de bichejos que aparecen en la obras de #ElBosco o de #Brueguel, pero eso es un juego de niños al lado del más terrible infierno que se haya pintado nunca:
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Y con mucho atrevimiento por su parte, dada la época, #VanEyck pinta miembros de la realeza y del clero en el infierno, que cada uno interpretará a su manera, claro.
Coronas, mitras, sombreros rojos... señalan a los "condenados" por la sociedad, sus explotadores...
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Una obra compleja de la que podríamos hacer una tesis doctoral. Señalar, como curiosidad, que se nota la mano de algún ayudante aventajado y no sólo la de #VanEyck. Se nota especialmente en la parte superior del #JuicioFinal, aunque ello no desmerece la obra.
Mañana más!
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Continúa el ciclo #CartelArte de los cárteles más famosos de la historia del arte, para el #TwitterCultural.
«Keep Calm and Carry On» («Mantén la calma y sigue adelante») es un póster producido por el Reino Unido en 1939, al inicio de la Segunda Guerra Mundial.
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«Keep Calm and Carry On» fue diseñado con el objetivo de subir la moral del pueblo de #UK, en un momento en que se temía lo peor: una invasión casi segura por parte de la Alemania de #Hitler de las Islas Británicas. Fue uno de varios diseños para posters.
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El póster fue poco conocido, se imprimieron pocas unidades, y casi no se usó, pero fue redescubierto sobre el año 2000, y ha sido usado por varias empresas que lo han usado para sus productos, incluso como tema decorativo o para productos souvenirs británicos.
Empieza hoy un ciclo temático veraniego #CartelArte de los cárteles más famosos de la historia del arte, para el #TwitterCultural.
Comenzamos fuerte con el mejor y más caro cartel de la historia del cine, pintado por Heinz #Schulz_Neudamm para el film #Metrópolis.
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Diseñado y pintado, y luego trasladado a #litografía, éste es el modelo para la distribución alemana de la obra maestra del cine mudo de Fritz #Lang, #Metrópolis de 1927. El resto son variaciones (brillantes pero menos conocidas) de imágenes utilizadas para publicidad.
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Aquí el original junto al póster principal de la película.
Aunque el film es un ejemplo del #expresionismo alemán, el diseño es claramente #ArtDecó. Las variaciones se usaron para presentaciones, dolieres de prensa, tarjetas de estreno, variantes del póster ...
Se levanta el telón y se ve... No, mejor bajamos el telón, en concreto el telón de cristal del Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de #México, obra maestra de Louis Comfort #Tiffany que os explicaré a continuación:
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El Palacio de Bellas Artes es un espacio cultural en la Ciudad de #México, construido en estilos #ArtNouveau y #ArtDeco. #Tiffany recibió el encargo de crear esta cortina de vidrio, única en el mundo, para que fuese el telón de un gran teatro.
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La imagen que aparece es un paisaje dominado por los volcanes nevados Ixtaccihuatl y Popocatépetl, visibles desde muchas partes de la Ciudad de #México, donde #Tiffany demuestra su gran interés en la naturaleza, la tecnología y el uso de nuevos materiales.
Hemos visto ya al artista Louis Comfort #Tiffany, como joyero, como diseñador de muebles, como pintor... Veamos un poco de sus vidrieras, con un ejemplo famoso: las 4 estaciones.
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Se exhibió como una sola vidriera en la Exposición Universal de 1900 en París, The Four Seasons es un ejemplo perfecto de la técnica favorita de #Tiffany. Se ordenaban de arriba a abajo y de izquierda a derecha. Veamos la primavera, en la parte superior izquierda:
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La idea es sencilla y se ha repetido: las cuatro estaciones como símbolo del proceso/estructura del nacimiento, madurez y muerte de toda existencia.
Repetido? Un momento, por quien? Pues en este caso Tiffany se inspira en la del artista del #artnouveau Alphonse #Mucha.
Tras recorrer el Museo "Victoria y Alberto" en Londres,... ¿vamos a comer algo en la primera cafetería que hubo en un museo?
Venga, vamos y de paso vemos algo de su arquitectura y decoración, que os va a sonar...
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El director fundador del museo, Henry #Cole, creó unas exposiciones con lo mejor en artes y ciencias del momento, pero quedaba un poco lejos, así que para atraer a los visitantes les anunció que disfrutarían de una primicia mundial: un restaurante dentro del museo.
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Al entrar al Museo desde el jardín, el público no entraba a las galerías con exposiciones, sino por tres arcos con puertas de vidrio que conducían a un trío de salas de refrigerios, una manera de motivar a los visitantes y cubrir sus necesidades (hambre y sed).
Pues como os dije el otro día, el Musée d'#Orsay tiene, entre sus muchas obras maestras, entre sus #Monet, sus #Manet y sus #VanGogh, expone esta silla de la serie "Sussex" de la firma Morris&Co.
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Y ¿por qué? Porque está silla es " la silla", el concepto de la silla, el estilo moderno saliendo adelante desde la época victoriana.
En la firma #Morris&Co siempre hubo artistas y arquitectos, así un muchos diseños y objetos nacieron desde un concepto arquitectónico.
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El regreso a los valores artesanales y una concepción arquitectónica de la decoración moderna revoluciona la arquitectura de interiores, creando coordinadamente los elementos de decoración y de mobiliario, textiles, todo: el proyecto arquitecto como una "obra total".