Thread by @Oscar_Chavira

LA TRAICIÓN DE HOLLYWOOD.

1.- La fábrica de sueños.

Hollywood, California 1916.

Adolph Zukor acaba de cerrar una alianza con otras empresas menores en el ramo del entretenimiento y crea la Paramount Pictures Corporation.

Es el embrión de Hollywood, lo que después seería llamado "La fábrica de sueños".

La Paramount Pictures Corporation era la consolidación de la victoria de los judíos migrantes que habían hecho fortuna en el "american dream".

Habían triunfado sobre el monopolio de Thomas Alba Edison a base de no pagar derechos de patentes y apostar por los largometrajes.

Se habían hecho de un lugar en la industria del cine comenzando por controlar los nickelodeons, construyendo salas de cine formal y controlando la distribución.

Adolph Zukor pasó de ser un exhibidor, a un distribuidor, a un productor de películas.

La Paramount Pictures Corporation no era otra cosa mas que la proyección empresarial del dominio de Zukor en el cine.

La empresa nació con estudios, distribuidora y cines propios.

¿Qué faltaba?

Claro, realizadores, talento y audiencia.

Y a ello se avocó la Paramount Pictures.

Previo a los años de la Gran Depresión Norteamericana, la Paramount Pictures era una pequeña nación con sede en la costa oeste de los Estados Unidos.

A los estudios, distribuidora y cines se le incorporó un ejército de gente que trabajaba para el corporativo.

La Paramount Pictures creó sus actores, directores y productores insignia con contratos de exclusividad. Definió los géneros narrativos y las fórmulas de las historias acorde a lo que dictaba el gusto popular con la taquilla como parámetro.

Era la industria de cine total.

La Paramount Pictures Corporation definió lo que se llamó "El Sistema de Estudio", en donde toda la cadena de la industria del cine le pertenecía a la empresa.

Ella definía qué película se hacía, quién lo hacía, quién participaba, dónde se exhibía y durante cuánto tiempo.

En el Sistema de Estudio, todo le pertenecía a la empresa titular.

Bueno, no todo.

EL público no era parte de la empresa, había que ganárselo, al fin y al cabo la Paramount Pictures había nacido para hacer dinero, mas que los intereses artísticos del asunto.

La Paramount Pictures definió el modelo del "Sistema de Estudio", el resto de las empresas fundadas por judíos migrantes vio el éxito del concepto y se aprestó a adaptarlo y perfeccionarlo.

Fox, Metro Goldwin Meyer, Warner Brox, Universal siguieron el mismo derrotero.

Los judíos que fundaron Hollywood y perfeccionaron el Sistema de Estudios acapararon la indsutria fílmica de EUA.

No les pertenecía la audiencia, había que competir por ella y esa competencia derivó en el perfeccionamiento de la industria.

Paramount, Fox, Warner, MGM, Universal se avocaron a hacer realidad el "american dream" a través de su cine.

Hacían cine para mantener sus salas llenas.

Año tras año se avocaron a mejorar la película anterior y los logros del estudio de enfrente.

Esa competencia por la audiencia hizo que los cines perfeccionaran su trabajo.

El cine norteamericano se volvió vanguardia del cine entretenimiento y comenzó a hacer cine arte.

El gran triunfador de ello fue el público que se entregó a las películas hollywoodenses.

2.- El cine según David. O Selznick.

15 de diciembre de 1939. Atlanta Georgia.

Tras tres días de desfiles y fiestas nocturnas a la vieja usanza sureña se estrena por fin "Gone with the Wind" en el teatro principal de la ciudad.

La película había resultado la mas cara producida por Hollywood.

"Gone with the wind" era pomovido como la gran película de David O. Selznick su productor.

Eran los tiempos en que el puro nombre del productor era garantía de una gran producción e historia,

O. Selznick en 1939 tenía ya un gran cartel.

O. Selznick era un judío segunda generación de migrantes. Nacido en el seno de una familia dedicada a la distribución de películas mudas.

Pasó entonces a ser editor de los nacientes estudios Metro Goldwyn Mayer.

Sería contratado por Paramount Pictures ya como director.

O. Selznick estaba convencido que el sistema de estudios era el camino correcto de Hollywood, pero veía una gran limitante en la visión de Zukor en cuanto a la inversión y forma de hacer las películas.

Presupuestos mediocres, daban como resultado películas mediocres.

En el ideario de Zukor el presupuesto definía el tipo de historia a filmar.

En la visión de O. Selznick era la película la que dictaba el presupuesto.

Y se planteó una película para probar su teoría.

En 1933, O. Selznick producía "King Kong" con Merian C. Cooper como director.

"King Kong" restultó una proeza técnica del cine en 1933.

Y un éxito de taquilla.

La película había costado la demencial cantidad de 672 mil dólares, pero había recaudado cuatro veces ese valor en taquillas.

Pero no sólo"King Kong" había dado un éxito financiero a O. Selznick, le había otorgado el primer monstruo franquicia de la era del sistema de estudios.

El monstruo regresaría una y otra vez a comprobar la teoría del productor.

Para 1938, el nombre de O. Selznick ya era sinónimo de una película de gran presupuesto con una estupenda historia.

Él solo era imán de taquilla.

Su nombre respaldó inicialmente "Gone with the wind", lo que vino después fue algo inesperado.

Aun con el sello de O. Selznick, "Gone with the wind" era una película arriesgada.

Clarck Gable era tembién garantía de taquilla, Pero Vivien Leigh, su coprotagonista, era una británica cuasidesconocida en EUA.

Y estaba el detalle de la historia.

"Gone with de wind" es un relato dentro de la guerra civil norteamericana, pero desde la perspectiva de una mujer, Scarlett O'Hara, desde la trinchera sureña.

Al final, O'Hara termina siendo una mujer empoderara, ama de la finca de Tara, pero sola, sin el hombre de su vida.

Es 1939, y el tema de la mujer empoderada, y un final anticlimático era un riesgo en cualquier película que quisiera triunfar en taquilla.

Pero "Gone with the wind" triunfó, como ninguna película lo había hecho.

32 millones de dólares hizo en su corrida de estreno por el mundo.

"Gone with the wind" había costado la astronómica cantidad de cuatro millones de dólares.

Pero había obtenido ocho veces esa cantidad en taquillas.

La tesis de David O. Selznick había sido probada y comprobada.

Perfeccionas el cine y la audiencia responde al logro.

"Gone With the wind" comprobó que no había sueño límite para la fábrica de sueños, mientras hubiera presupuesto suficiente.

No había limites ni siquiera de la audiencia, que no tuvo quejas sobre las casi cuatro horas que duraba la proyección.

"Gone with the wind" también comprobó que ni siquiera la historia meramente norteamericana era un impedimento para su éxito fuera de EUA.

El éxito se replicaba por toda América y Europa.

Pareciera ser que la tesis de David O. Selznick se concretaba a "haz una película grandiosa, no importa lo que cueste, y el público del mundo querrá verla"

Y a ello se avocó Hollywood.

De su basta producción de cintas de mediocre presupuesto, reservaba dos o tres grandiosas.

"Gone with de Wind" era la confirmación de una tesis.

Perfeccionas el cine y la audiencia te responde.

Tendría el récord de taquilla mundial en 32 mdd por 17 años.

Y sus logres le merecieron el Oscar a Mejor película de 1939.

Era un círculo virtuoso.

Hollywood producía buen cine, y el público le respondía.

Para los años 40, las películas eran el tercer artículo de menudeo de mayor venta en el extranjero de EUA. Sólo lo superaban los abarrotes y los automóviles.

Era un círculo virtuoso.

Hollywood producía buen cine, y el publico le respondía.

Y nada ejemplifica mejor lo anterior que relacionar las cintas que rompieron la marca taquillera de "Gone With the Wind", sus logros y su trascendencia a través de los años.

En 1956, "The Ten Commandments" rompería por fin la marca de "Gone With de Wind".

La cinta ganaba 55.2 mdd en el mundo.

Obtenía seis nominaciones al oscar, incluyendo mejor película y ganaba en el rubro de mejores efectos.

Tres años depués, "Ben Hur" conseguía poner el récord de taquilla en 66.1 mdd.

13 nominaciones al Oscar, de los cuales ganó 11 premios entre ellos el de mejor película del año.

"Lawrence de Arabia" estableció el récord de taquilla histórica en 76 mdd en 1962.

Conseguiría además 10 nominaciones al Oscar, quedándose con 6 premios incluyendo del de mejor película.

En 1972, contra todo pronóstico, "The Godfather" hacía pedazos el récord de "Lawrence de Arabia", y elevaba la marca a 127.6 mdd

La cinta se hacía de 11 nominaciones, y sólo dos premios Oscar, entre ellos el de mejor película.

Hoy día, pocos son los que refutan los logros cinematográficos de

Gone with the wind
The Ten Commandments
Ben Hur
Lawrence de Arabia
The Godfather.

Y de muchas otras películas que Hollywood realizó perfeccionando el cine entretenimiento y volviéndolo arte.

Era la época de oro del Hollywood clásico.

El ápice del sistema de estudios.

La perfección de la tesis de David O. Selznick.

Grandes cines, grandes pantallas, grandes audiencias.

Y todo eso se acabó.

Pasada la Segunda Guerra Mundial, Hollywood y su máquina de sueños, su máquina de propaganda estuvo en tela de juicio durante la purga comunista.

Y un juicio antimonopolio obligó a los estudios a deshacerse de las salas de cine.

Adiós al círculo virtuoso.

¿o no?

3.- El cine según Steven Spielberg.

Los grandes estudios de cine tuvieron que deshacerse de sus cadenas de cine por orden judicial en los años 50.

Y también de la exclusividad del ejército de gente que utilizaba para hacer las películas.

Para la década de los años 60, los estudios perdían dinero y audiencia.

Los grandes estudios de Hollywood seguían produciendo películas tratando de recuperar el camino definido en la época clásica.

Era imposible, la sociedad norteamericana ya no era la misma tras la WWII.

La guerra fría demandaba los piés en la tierra y un cine mas actual.

El cine del Hollywood clásico comenzó a verse mas como nostalgia o archivo de estudio, y perdía audiencia ante la novedad de la televisión.

Los viejos fundadores de los estudios se retiraron, o murieron viendo disminuído su poder.

¿Cómo sobrevivió Hollywood?

En realidad Hollywood como tal no sobrevivió.

Los nuevos dueños de los estudios mantienen la narrativa de esa fábrica de sueños llamada "Hollywood" mas como propaganda que como realidad

Unoa uno los estudios fueron vendidos a grandes corporaciones. Algunos pasaron hasta por tres propietarios en e lapso de una década.

Warner, Fox, Paramount, MGM, Universal, Columbia pasaron mas a hacer entes con operaciones financieras que estudios en sí.

El estudio le pertenecía a una corporación.

Este estudio fungía mas como intermediario entre la fuente del dinero y compañías productoras menores que era la que en la práctica realizaban las películas.

Para ello el "estudio" facilitaba instalaciones, equipo y logística.

Los estudios menores ganaban un porcentaje de la taquilla, el estudio se quedaba con un porcentaje mayor y con los derechos de la película, que hacía suya aunque en la práctica no la hubiese realizado, y pasaba a engrosar los títulos de su cinemateca.

Sólo las grandes producciones, cuyo presupuesto fuera alto, se quedaba en reserva para que el propio estudio la llevara acabo, y no pocas veces también con ayuda de productoras menores.

Así sobrevivieron los estudios clásico de Hollywood.

Y sobrevivió todo aquello que sirviera para la narrativa del viejo Hollywood: los nombres, los logos, los premios.

Todo este reacomodo llevó casi dos décadas, e inició en la debacle de finales de los 60s, y el nacimiento del blockbuster en los 80s de la mano de Steven Spielbrg.

Invierno de 1975.

Contabilizada la taquilla global, "Jaws" de Steven Spielberg rompe el récord de taquilla histórica de "The Godfather" y deja la marca en 193.7 mdd.

Es cine entretenimiento puro al mas puro estilo del David O. Selznick de "King Kong".

El nuevo Hollywood de las corporaciones necesitaba también nuevas historias, nuevas narrativas y nuevas formas de hacer cine.

Steven Spielberg y su forma de hacer cine, su forma de abordar las historias, su "revolución desde adentro", era lo que necesitaba el cine y la audiencia

"The Godfather" y "Jaws", habían demostrado que la audiencia aun respondía favorablemtne al buen cine, fuera de arte o de entretenimiento puro.

Que el Hollywood corporativo debía dejar atrás los esfuerzos por revivir viejas glorias y apostar por renovarse por sí mismo.

Y ese nuevo Hollywood que apostó por nuevas historias, nuevas narrativas y nuevos realizadores y talento tuvo su recompensa.

En el momento en que los cines de antaño se abandonaban, surgieron las salas multiplex para dar cabida al cine del New Hollywood.

"Jaws" de Steven Spielberg no sólo definió una nueva narrativa del cine entretenimiento.

Universal Studios estableció una nueva forma de promoción y distribución de la cinta.

Campaña publicitaria en medios, estreno nacional simultáneo en plena época de vacaciones escolares.

"Jaws" definió el concepto de estreno masivo, que después se convertiría en estreno global.

Definiría la "campaña de antelación" de una cinta.

Y daría inicio a una temporada para exhibir las grandes producciones de entretenimiento de los estudios.

"Jaws" daba comienzo a la temporada de verano del cine.

EL tiempo para las grandes producciones de entretenimiento.

El tiempo en que las audiencias masivas hacía la gran taquilla.

Y vinieron mas récords.

En 1977, "Star Wars" colocaba la marca de taquilla histórica en 268.5 mdd.

"Grease" rebasaría la cifra con 341 dmm en 1978.

"The Empire Strikes Back" haría lo suyo en 1980 con 413.5 mdd.

Steven Spielberg volvería a ser el rey de la taquilla en 1982 con su "ET the Extraterrestrial".

"Terminator" le rompería el logro en 1991 con 519.8 mdd.

Dos años después, Spielberg rozaría el edén de la taquilla, "Jurasic Park" se quedaba en 914.6 mdd,.

En 1997, James Cameron y su "Titanic" rompían todas las sumadores de los contadores de Hollywood para dejar el récord de taquilla en 1,843.2 mdd y 40 semanas de exhibición.

El New Hollywood rompía la taquilla dejando clásico tras clásico de una generación.

¿Era un círculo virtuoso?

Sí con sus asegunes.

Las cintas que rompían la taquilla tembién eran muestra de lo mejor del Hollywood corporativo, pero se alejaban del cine arte.

El cine arte era otro producto de Hollywood que pasó a llamarse cine académico.

Así sobrevivió el Hollywood corporativo al embate de la televisón y del videohome, gracias a un cine de entretenimiento blockbuster que se exhibía en verano, y un cine académico que tenía su pasarela invierno.

Un calendario que por años mantuvo un equilibrio de contenido.

Nadie definió mejor estos equilibrios y renacimiento del New Hollywood como Steven Spielberg y su filmografía.

Basta un rápido repaso de sus películas y la fecha de estreno para evidenciarlo.

El cine de Spielberg estenado en "verano"

Jaws
Close encounters ..
Raiders of the Los Ark
Indinan Jones II, III y IV
Jurassic Par I, II
AI
Minority Report
War of the Worlds

Cine entretenimiento.

EL cine de Spielberg estrenado en otoño invierno.

Color Purple
Empire of the Sun
Shcindler's List
Amistad
Saving Private Ryan
Bridges of Spie
The Post

Cine académico.

Spielberg y "Jaws" definieron en mucho las formas del éxito del New Hollywood y su sobrevivencia por casi dos décadas.

Spielberg mas que nadie respetó esas formas comprobando sus tesis película tras película.

Nadie como él para defenderlas hoy día.

Pero esas formas del éxito del New Hollywood también están por caducar.

Si no es que ya lo están.

Por eso la defensa de Steven Spielberg y su llamado a preservar el cine en esas definiciones de los años 80 y 90.

Cruzada perdida.

Porque Hollywood ya definió un nuevo derrotero.

3.- El cine según Disney.

21 de diciembre de 1937.

Ese día, en uno de los cines comerciales de Hollywooland California, se estrenaba "Blancanieves y los Siete Enanos" ante una audiencia mayoritariamente infantil y un nerviosísimo Walt Disney que fungía como productor.

Walt Disney se había comprometido financiéramente con hipotecas y pagarés para conseguir el casi millón y medio de dólares que le costó hacer su primer largometraje animado.

Lo cual, a ojos de Hollywood y de todos, era una locura.

Disney había conseguido tener un éxito relativo a partir de crear una serie de personajes y comenzar a hacer cortometrajes animados con ellos.

Estos cortometrajes se exhibían en los cines antes de la película principal.

La lógica de Hollywood de aquel inicio de los años 30 decía que la ganancia en taquilla de la película principal daba para pagarle los cortos a Disney.

Pero que la película principal fuera un largometraje animado, no había audiencia para ello.

"Nadie pagaría por ver una caricatura de larga duración" le repetían a Disney cuando tocaba puertas en los grandes estudios para buscar financiamiento.

Así pues, Disney se propuso echar su resto por "Blancanieves".

Pero las previsiones de Disney se salieron de todo plan.

La producción le llevó dos años, y la contratación de un ejército de dibujantes y espacio para ello.

Al final la cinta acabó consumiendo millón y medio de dólares sin tener distribuidor.

Terminada la película, Disney pactó un estreno prueba en Hollywood para que los ejecutivos de RKO, uno de los grandes estudios de Holywood en los años 30, vieran la película y la reacción.

Al final de la primera exhibición, RKO pagó por los derechos de distribución.

Al final del recuento de la taquilla de la primer exhibición comercial de "Blancanieves", la RKO contabilizó 8.5 mdd. de entradas.

El primer largometraje animado había conseguido salvar la economía de Walt Disney, de su empresa y el éxito de un cine para un segmento infantil.

Pero aun con el éxito de "Blancanieves", los grandes estudios de Hollywood nunca dejaron de ver a Walt Disney y su empresa de animación como un ente foráneo, y su fórmula hacer películas totalmente ajenos al ideario del star system.

Pero a Walt Disney no le importaba lo que los judíos migrantes dueños de los grandes estudios opinaran.

Le importaba el éxito de sus películas, por supuesto, al fin y al cabo había apostado todo por lograr su primer largometraje.

Pero había un objetivo mayor.

A Walt Disney le importaba sobre todo que sus personajes tuvieran éxito en los niños.

La historia y la trama, la venta de entradas de cine, eran sólo un vehículo para que el personaje se quedara insertado en las fantasías de los niños.

Para 1938, y meses después del estreno de "Blancanieves", el vinilo que recopilaba las canciones de la película se convertía en el disco de mayor ventas en EUA.

Había nacido el merchandishing, la mercadería ligada a un personaje de cine, al estilo Disney.

Durante casi treinta años, Walt Disney, que no dirigió una sola de los largometrajes de su estudio, produjo película tras película sin competencia de los grandes estudios.

Los grandes estudios producían películas exitosas.

Disney creaba personaje exitosos.

Para Walt Disney el cine era un vehículo del éxito, y no el éxito en sí.

El éxito de la película no era la culminación de un proceso de venta, si no el inicio de ella, acaso con la ganancia menor.

La taquilla mantenía el estudio en operaciones.

El Emporio nació de otra fuente.

Walt Disney comenzó a dar licencias para la explotación comercial de sus personajes: juguetes, postes, disfraces, logotipos, etc.

Creaba el nicho consumidor con sus películas, y luego explotaba éste fuera de la sala de cine de diferentes formas.

Si el personaje es de tu propiedad ¿por qué limitarse a explotarlo sólo en la sala de cine?

Había que ponerlo en mercadería.

¿Un parque de diversiones temático?

Por qué no.

Y Disney fue en busca de expandir la experiencia de cine en la vida real.

Touché.

En 1955, asociado con la cadena ABC, Walt Disney cortó el listón inaugural de Disneyland, el parque temático que conjuntaba sus personajes animados.

Pero no sólo eso.

Disney ya había incursionado en películas con gente real con mucho éxito. y también llevó el concepto al parque

"La isla del tesoro" se convirtió en la gran atracción inicial de Disneylandia, concepto creado a partir de la película del mismo nombre con actores reales.

Usted visitaba el parque y podía interactuar con los personajes emblemáticos de Disney.

Y, por supuesto, en Disneylandia podía comprar hasta la mercadería inimaginable con la figura de los personajes de Disney.

Así pues el gran negocio de Walt Disney acabó siendo la explotación de los personajes y las marcas y no el cine por sí mismo.

Para los viejos judíos que crearon Hollywood, la estrategia de negocio de Walt Disney era poco menos que prostituir el cine.

Fieles a las directrices del sistema de estudios dejaron que Disney se hiciera del segmento familiar sin molestarlo.

Y Disney se convirtió en Emporio.

Para cuando los estudios de Hollywood comenzaron a ser absorbidos por grandes corporaciones, Disney ya era la corporación que absorbía empresas.

Tenía su propia distribuidora mundial, Buenavista FIlms, y se había comprado la ABC radio y televisión.

El modelo comercial del Emporio Disney parecía haber librado al estudio de la crisis del fin de la época de oro.

Pero no lo salvó de la crisis a la muerte de su fundador.

El Emporio Disney estuvo al borde de la quiebra en los años 80.

Pero lo salvó la visión de sus directores que ampliaron la fórmula del fundador:

Personaje
+
Medios
+
Licencias
=
Éxito y control

Y fueron en pos de ello.

Para inicios del nuevo milenio, el modelo de negocios de Disney comenzaba a mostrar su potencial.

Tenía cuatro parques temáticos, cadena de radio y televisión abierta, canales de cable, dos empresas de cine

Había conseguido otra época de grandes personajes en los 90.

Para la primera década de nuevo milenio apostó el resto por su modelo:

Compró a Pixar Animation pionera en el cine animado por computadora.

Se hizo de Marvel, editorial y estudios. De Lucas Film y por último de la legendaria 20th Century Fox.

Todas las compras que ha realizado el Emporio Disney tienen una finalidad primordial: tener el control de personajes, de sagas, tener el control de sus propios medios de distribución y explotar el contenido y la licencia de los personajes.

El cine es secundario.

¿Qué tan secundario es el cine?

Sólamente en licencia y venta de mercadería, el Emporio gana mas que todo el ingreso de taquilla.

Mucho mas.

Y hay ganancia aunque el filme sobre el personaje sea malo.

Para Disney el interés de la cinta es que el personaje tenga éxito en un público masivo.

Importa poco si la historia, la producción sean buenos, o si la cinta se hace merecedora de nominaciones y premios.

Todo ello forma parte de la nostalgía por un Hollywood que ya no existe

POr eso DIsney compró empresas que crean personajes, apuesta por un cine serializado que mantenga vigentes dichos personajes, y se empeña por un estreno masivo en base a una gran promoción.

¿El cine?

Es secundario.

¿El arte?

No le vayan con esas tonterías.

El cine es la vía para incubar el consumo en los personajes y marcas que Disney controla.

Es una estrategia que ha triunfado ya en cuatro generaciones.

Un modelo exitoso y nada mejor que los números de taquilla para darnos una idea del éxito de la estrategia.

De las 40 películas con mayor taquilla en la historia, sin ajuste de inflación, 21 le pertenecen al Emporio Disney.

Al éxito en taquilla le han venido, por supuesto, una derrama económica por la explotación de las licencias de los personajes.

¿Es prostitución del cine?

El Emporio Disney se entregó por completo al cine franquicia, crearlas desde cero, explotarlas periodo tras periodo, o comprar las empresas que tienen los derechos de ellas.

El contenido que produce Disney sus subsidiarias es el mas exitoso del orbe.

Es un mal ejemplo, quizá.

Disney se convirtió en el gigante a arrebatarle un pedazo de la audiencia.

Y el Hollywood corporativo en lugar de dar batalla con un cine diferenciado, se ha entregado a combatirlo con sus propias armas: cine franquicia, cine serializado.

Nada demuestra tanto lo anterior como el análisis de las 40 película mas taquilleras de todos los tiempos:

Películas Originales: 8
Remakes: 2
Secuelas 30

Hollywood ha adoptado la religión del Emporio: rendirle pleitesía al Dios Franquicia.

Y el cine franquicia, el cine serializado, la batalla entre Disney y el resto ha invadido todo el calendario de estrenos.

Adiós a los equilibrios entre cine entretenimiento y cine arte del New Hollywood.

Adiós también a sus vieja glorias y sus preceptos.

Disney domina la venta de formato físico, las descargas de contenido, el merchandishing y ahora va por el video on demand.

¿Con qué?

Con lo mismo de siempre.

Tiene a cuatro generaciones cautivas en sus personajes.

Y Hollywood se apresta a defender su porción de audiencia con las mismas armas.

Autosaboteándose su propio cine diferente, cerrándole la puerta a los directores que reniegan de hacer cine franquicia.

Esa la es la traición de Hollywood, rendir su cine al concepto de Disney.

4.- La traición de Hollywood.

Verano del 2018.

Hay un ambiente contradictorio en las oficinas de Participant Media.

Por una parte "Roma" de Alfonso Cuarón, proyecto que financiaron ha conseguido distribución via Netflix y estreno en el Festival de Venecia

Es el primer paso para la estrategia planteada por Netflix para hacer de "Roma" una protagonista en la carrera del Oscar.

Participant Media podría verse involucrado con un Oscar a mejor película.

En el lado opuesto a la festividad por "Roma", esta "Green Book". Participant Media aportó poco mas de 30 mdd para la cinta y aun no tiene distribuidor.

Pensar en la temporada de premios, es una ilusión lejana.

EL director de "Green Book" opta por una medida desesperada, por medio de conocidos comunes concerta una proyección particular a Steven Spielberg.

Terminando de ver la película decide involucrar a su casa productora Amblin y a su estudio Dreamworks en la distribución y promoción

SIn el apoyo de Amblin y Dreamworks, "Green Book" no habría conseguido la exhibición en el Festival de Toronto.

Sin ello no habría ganado el premio principal que la catapultaría a la carrera del Oscar.

Steven Spielberg apoya a "Green Book" durante la competencia del Oscar porque es todo lo que una película académica del new hollywood podría aspirar.

¿Pero qué tal que Spielberg no se hubiera interesado en la película?

Los grandes estudios de HOllywood ya había desechado la idea de distribuir "Green Book".

Enfrascados en el cine serializado, poco importan las películas de bajo presupuesto.

Spielberg la rescata del olvido de Hollywood.

SIn el rescate de Spielberg, "Greeen Book" habría acabado, tal vez, en manos de Netflix y estenado en el portal.

No fue así.

Estrenó en cines. compitió en el Oscar, y Hollywood la votó por consenso como mejor película.

"Green Book", esa película desdeñada por Hollywood, ni siquiera producida por ellos, se convirtió en la tabla de salvación para seguir manteniendo las normas no escritas del Oscar.

Qué hipocresía.

Si Spielberg no salva "Green Book", ¿cómo habría sido el resultado?

Hollywood ya ni siquiera reconoce los filmes que le sirven para mantener su narrativa como concepto, metidos de lleno en el cine franquicia.

Esa es la traición.

Malditos sean.

FIn de las notas de cine.